Comme je l’avais déjà signalé sur le film le Mans 66, j’aime la vitesse, enfin surtout au cinéma. Cette impression de vitesse, le bruit des moteurs, la concentration de pilotes , la tension grandissante entre rivales. Tout ce que j’aime se retrouve sans doute pas mal de films de courses que j’ai déjà vu, la plupart étant américains. Mais qu’en est il des films français ? Michel Vaillant en tête , je ne peux malheureusement pas dire que le cinéma français soit très présent dans cette catégorie. L’objectif principalement du cinéma français étant ailleurs. Jusqu’à Rapide.

Je dois dire que je suis assez surpris du résultat. N’ayant pourtant pas l’étoffe d’un Ford vs Ferrari , Rapide arrive a contrôler son run pour nous montrer des images qui décoiffent : camera embarquée, utilisations des drones pour certains plans ou encore le bruit des vitesses , tout est là pour nous surprendre, jusqu’à la formule 3 qui roule à toute vitesse dans les villes, au point de frôler l’accident avec des citadines au coin d’un carrefour. Ça fonce et le réalisateur a l’expérience des belles images qui vont vite. Le sujet abordé est celui d’une jeune femme voulant faire sa place dans le mondes des sports automobiles quasiment monopolisé par des hommes.Le film nous rappelle via un Alban Lenoir survitaminée que, seulement 5 femmes ont concouru en formule 1. La dernière femme ayant tenté de participer étant Giovanna Amati en 1992.

Quant au personnage de Max, c’est une femme qui est née pour rouler à pleine vitesse , et n’aura qu’un rêve en tête : démontrer que les femmes n’ont pas dit leur dernier mot. L’interprète qui joue le rôle principale (Paola Locatelli) est pétillante et pleine de vie , prêt à en découdre avec les préjugés. Tout cela donne de la pêche au film, même si tout n’est pas rose et bien maitrisé pour rapide.

On adore le jeu des deux acteurs principaux, le passage de Tchéky Karyo dans le rôle du père de Stanislas . Mais tout ceci pourrait être entaché par un film au scénario un peu prévisible. Mais il est vrai qu’il est difficile de faire plus original que deux personnes se regardant dans le blanc des yeux pour savoir qui va être le meilleur sur un piste de course

Bien que le film démontre l’ambition évidente du réalisateur sur les scènes de course, le scénario souffre d’un manque de finesse, particulièrement dans sa première partie. La relation romantique esquissée entre les deux rivaux, rapidement abandonnée par la suite, aurait mérité soit un développement plus approfondi, soit d’être complètement supprimée de l’intrigue.

En définitive, cette œuvre représente une véritable prouesse dans le paysage cinématographique français, où ce genre est particulièrement rare. Il convient de passer outre ses quelques imperfections, car l’ensemble du film mérite amplement le détour.

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Depuis quelques temps, il y a quelque chose qui ne fonctionne plus dans les films de Ridley Scott. Après avoir été voir Gladiator 2 avec une amie, nous avons été du même avis : Gladiator 2 n’a pas hérité grand-chose de son ainé et ne renouvelle pas le genre.

En ce qui me concerne, quand j’avais entendu parler du projet d’une suite à Gladiator mais j’étais un peu dépité. Gladiator n’avait pas forcément besoin d’une suite car la fin était suffisante. Mais si on connait un peu Hollywood, on n’est guère étonné de voir ressortir des placards des scenarios qui avaient été laissé à l’abandon pour en faire des suites. Ce projet de Gladiator 2 me semblait avoir le parfum de déjà vu rien que par son titre. Dans d’autres termes, cela sentait le sapin.

Avant d’analyser le film, je tenais à préciser que je n’ai pas récemment revisité le film original. Mon approche est délibérée : mes expériences précédentes m’ont appris que revoir un premier opus avant sa suite peut souvent conduire à une déception. J’ai donc choisi de découvrir Gladiator 2 avec un regard neutre et ouvert, sans a priori ni comparaison immédiate.

A la sortie de la projection, il y avait un parfum de déception qui flottait dans l’air. Je ne dirais pas que nous avons détesté le film, mais il manquait quelque chose qui puisse laisser le spectateur en émoi à la fin de la projection. Certes, le spectacle est garanti grâce aux nombreuses batailles qui se déroule dans l’arène, notamment la naumachie.

Les décors manquent singulièrement de variété, le film se concentrant principalement dans l’arène qui occupe près des deux tiers du temps à l’écran. Cette limitation spatiale crée une sensation de confinement, ce qui pourrait laisser penser à des contraintes budgétaires. Pourtant, avec un budget estimé entre 250 à 310 millions de dollars, Ridley Scott disposait des moyens nécessaires pour développer une mise en scène plus ambitieuse.Mais je reviendrais sur le detail de la production plus tard.

Concernant les choix des acteurs principaux comme Denzel Washington, Pedro Pascal ou encore Connie Nielson qui reprend le rôle de Lucilla, leur présence n’est pas à remettre en jeu. Denzel Washington livre une performance magistrale dans le rôle de Macrinus, incarnant avec force l’ambition dévorante d’un ancien esclave déterminé à s’élever dans la société romaine. Sa présence charismatique et son interprétation intense éclipsent celle de Paul Mescal, pourtant protagoniste principal dans le rôle de Lucius Verus.

Mais cela est surtout l’écriture de certains personnages qui est faible. Comme depuis quelques films, Ridley Scott oublie de mettre de l’épaisseur dans les personnages secondaires comme celui de Arishat, l’épouse de Lucius, interprété par L’actrice Yuval Gonen. Son personnage a une présence limitée dans le film, n’apparaissant que brièvement dans deux scènes, ce qui ne permet pas au public de développer un véritable attachement émotionnel à son égard.

Mais si les performances des acteurs principaux contribuent au charisme du film, tout n’est pas parfait. Certaines situations et dialogues manquent de naturel et semblent artificiellement intégrés à l’histoire, nuisant à l’œuvre. En exemple, les scènes entre Lucius et Lucilla souffrant parfois d’incohérences narratives. Je pense qu’il aurait fallu moins de combats et retravailler les scènes pour qu’elles soient mieux liées entre elles.

Cependant, Il reste au film des atouts. Les effets visuels sont réussis à certains moments comme l’apparition du rhinocéros dans l’arène, même si la présence du rhinocéros dans l’arène de combat est discutable . Quand aux scènes de naumachie dans les arènes que je pensais historiquement inexacte,ils ont bien existé. D’après les historiens, ces naumachies comme ils sont appelés étaient présentes même si cela restait rares à cause de leur cout, et n’étaient envisageables que pour certaines arènes adaptées pour l’occasion.

Gladiator 2 aura été marqué par des difficultés de production, avec un tournage s’étendant de juin 2023 à début 2024, en grande partie à cause de la grève des acteurs. Le script a eu du mal à voir le jour, avec des premiers jets dès 2000, mais aucune version n’était satisfaisante. Trois scénaristes se sont succédé entre 2000 et 2018, et bien que Nick Cave ait proposé une version audacieuse en 2006, elle a été écartée pour son caractère trop radical. De nombreuses réécritures et des éléments internes et externes ont contribué à faire de ce film un projet désordonné, qui n’a pas été maîtrisé de bout en bout.

En conclusion, je dirais que Gladiator 2 est un film qui offre un spectacle visuel impressionnant et bénéficie de performances solides de ses acteurs principaux. Cependant, il ne parvient pas à capturer l’essence et l’impact de son prédécesseur. Le manque d’innovation, les problèmes d’écriture et les contraintes de production ont conduit à un film qui, bien que divertissant, ne satisfait pas pleinement les attentes. Il reste un grand divertissement pour ceux qui recherchent l’action et le spectacle, mais les amateurs du premier opus pourraient ressentir une certaine déception face à l’absence de profondeur narrative et de développement de personnages.

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Il y a des films qui vous font l’effet d’une expérience cinématographique unique, qui vous propose une autre lecture d’un phénomène sociétal bien connue : le culte du corps. Le nouveau film de Coralie Fargeat, offre cette vision singulière et dérangeante à la fois.

À travers une expérience cinématographique saisissante, la réalisatrice déconstruit notre obsession collective pour la perfection physique et propose un regard inédit sur ce phénomène sociétal. Son approche visuelle unique transforme un sujet familier en une œuvre qui bouleverse nos perceptions habituelles, en utilisant le prisme de l’industrie du fitness des années 80 comme miroir de nos sociétés contemporaines.

Les séquences d’aérobic sont filmées avec parfois des gros plans sur certaines parties du corps de Sue, montrant à quel point le corps est superbe. D’ailleurs ces plans font penser à des publicités pour des parfums car la camera tourne autour de l’actrice avec une esthétique léchée. La réalisatrice utilise habilement une bande sonore électronique pulsante pour accompagner ces plans rapprochés , créant une atmosphère à la fois glamour et légèrement inquiétante.

Le leitmotiv « la meilleure version de soi-même » qui résonne tout au long du film comme un mantra toxique, est aussi utilisé dans la vie courante chez certains coachs de vie pour indiquer à leur clients que vous devez être parfaite pour réussir dans la vie. Parfaire dans l’excellence, avec pour objectif le culte de la beauté comme seul critère de réussite. C’est d’ailleurs assez bien montré dans le film à travers le personnage de Dennis Quaid qui cherche à renouveler la principale présentatrice d’une émission d’Aérobic, la trouvant trop âgé.

À 61 ans, Demi Moore livre une performance physique et émotionnelle intense, questionnant avec courage les standards de beauté imposés aux femmes dans l’industrie du divertissement.

Le film s’inscrit progressivement dans la tradition du body horror, le style préférée de David Cronenberg. La transformation physique de Lou, d’abord subtile puis de plus en plus dérangeante, illustre les dangers d’une société poussant les femmes à des extrêmes pour maintenir une apparence de jeunesse éternelle.

La durée excessive de 2h25 constitue le point faible majeur du film. Si l’ensemble est maîtrisé , il y a une ou deux scènes sur la fin du film qui auraient pu être coupé du montage. La séquence finale, quant à elle, se révèle particulièrement évocatrice : elle dépeint avec justesse notre effacement progressif dans une société où la visibilité est éphémère.

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Ishana Shyamalan est une réalisatrice dont le nom de famille ne vous est surement pas inconnu. En effet, Ishana Shyamalan est la fille du maitre du twist : M. Night Shyamalan.

Pour ceux qui ne saurait toujours pas de qui il s’agit, il est entre autres l’auteur des films Sixième Sens, Incassable, Signes et plus récemment Split.

Premier film de la réalisatrice, Les guetteurs nous emmènent dans les forêts de l’Irlande où se déroulent d’étranges phénomènes. Nous suivons Mina, une Américaine travaillant dans une animalerie, qui va devoir faire un déplacement pour livrer un oiseau précieux. Mais sur sa route, sa voiture va tomber en panne en pleine forêt. Complément perdue, elle trouvera refuge dans un bunker où y vivent trois personnes. A la tombée de la nuit, les protagonistes vont devoir suivre un rituel pour survivre.

Le film en lui-même ne m’aurait certainement pas accroché puisque faisant partie du genre de films que je vais voir rarement : Les films d’horreur. Mais quand j’ai appris que c’était la fille du célèbre réalisateur qui l’avait réalisé, cela a piqué ma curiosité.

La plupart des premiers films de réalisateurs sont un risque pour eux car ils doivent prouver leur capacité à faire des films et trouver leur style. Mais Ishana Shyamalan a surement baigné durant sa jeunesse dans les films de son père car son style s’en rapproche.

Les Guetteurs est exécuté de façon brillante pour une réalisatrice qui est pour la première fois derrière une caméra avec un style qui mélange horreur, fantastique, mythes et légendes. Tous ces styles s’enchevêtrent harmonieusement.

Le lieu de l’action se passe dans une forêt obscure qui à la tombée de la nuit, devient vivante. Dans ce style, cela pourrait se rapprocher du projet Blairwitch car la camera ne montre quasiment jamais l’origine des bruits ambiants, laissant le spectateur à sa propre interprétation.

La peur du noir ou encore appelé nyctophobie, nous y avons tous été confronté étant plus jeune. La peur de l’inconnu, la peur de ne pas comprendre ce qu’il se passe devant nous, quand nos yeux ne voient rien et que seuls nos oreilles peuvent interpréter ce qu’il se passe. Voilà tout l’enjeu de ce film qui dans sa première partie joue avec nos sens.

Un autre point commun avec le cinéma de M. Night Shyamalan est l’impression de légère étrangeté des propos des trois protagonistes qui viennent accueillir Mina dans leur Bunker. Accompagnée d’une ambiance angoissante et oppressante, les questions que se posent Mina trouveront leurs réponses de façons naturelles sans que l’on soit perdu dans les explications. Sur ce point, Les guetteurs surpasse Hypnotic , film réalisé par le complice de Quentin Tarantino, Robert Rodriguez.

Comme tout film d’horreur qui se respecte, il y a forcément des moments où le spectateur sursaute au moment des jumpscares. Si pour moi, cette technique ne me fait plus peur car je la trouve bien souvent prévisible, je trouve qu’Ishana Shyamalan innove dans sa façon de saisir l’effroi. Dans ce film, ce ne sont plus des plans resserrés sur un visage meurtri. Elle se sert de la nature, des animaux ou encore de l’environnement pour nous effrayer. Tout comme les silhouettes anamorphiques que l’on voit s’approcher petit à petit.

Nul sans doute que les CGI ont dû être utilisés sur certaines scènes, car les mouvements des créatures sont proie au doute. Mais à ne pas s’y tromper, cela peut être aussi bien des effets pratiques et déguisements comme dans le film Le Dernier voyage Du Demeter, où le vampire n’était rien d’autre qu’un acteur filiforme maquillé.

Dans le rôle principal, on retrouvera Dakota Fanning que l’on put apercevoir dans l’interprétation magistrale de cette jeune fille dans le film La guerre des mondes. Mais Ishana Shyamalan s’est aussi entouré d’actrices chevronnées pour son film, puisqu’Olwen Fouéré (The Northman) et Georgina Compbell (Black Mirror, Bird Box : Barcelona) font partie du casting. Dans l’ensemble, les acteurs sont bien dirigés et l’écriture des personnages aident à leur interprétation.

Le film avance dans l’intrigue de façon régulière et le film n’est jamais trop long. Les mystères sur cette foret se dévoilent peu à peu et donne matière et rythme au film qui se laisse regarder sans jamais se lasser.

La BO du film est bien accordée avec des violons et chants lyriques qui viennent accentuer les scènes dramatiques et angoissantes. Cela fait penser d’autant plus à l’Ecosse.

Il y aurait juste une chose à reprocher au film, c’est le moment où les choses vont basculer : La voiture qui tombe en panne. La scène est un peu convenue et tombe un peu comme un cheveu dans la soupe. On ne sait pas vraiment comment et pourquoi elle tombe en panne sans qu’il y est un phénomène pour l’expliquer. Mais cela dit, la scène est rapide et on passe à autre chose.

Pour un premier film, c’est très réussi de la part d’une jeune réalisatrice. Il faudra la suivre de près car elle peut nous réserver quelques surprises dans le futur.

Et une chose en entrainant une autre, Night Shyamalan sortira son prochain film au mois d’aout sous le nom de Trap, dont la bande annonce semble nous présager du meilleur.

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Génése

Il ne m’aura fallu que 3 soirées pour regarder l’entièreté de la série The Tick. La série est composée d’une première saison de 12 épisodes et d’une seconde de 10 épisodes (25mn en moyenne par épisode), cette série nous plonge dans un univers de super-héros tous plus loufoques les uns que les autres. The tick raconte l’histoire d’Arthur, un comptable outsider qui se rend compte que sa ville est entre les mains d’un super vilain, La Terreur, qu’il croyait mort depuis longtemps. Pour combattre The Terror, Arthur va s’allier malgré lui à un super héros du nom de The Tick, pour le pire et le meilleur.

Histoire de la série

Ce super héros dont je ne connaissais rien n’est pas apparu avec Amazon Prime, puisque le héros aux collants bleus date des années 80. Créé en 1986 par le dessinateur Ben Edlund, The Tick est inspiré des comics de super-héros des années 1960, avec leurs personnages caricaturaux et leurs situations absurdes. Inspiré, Ben Edlund en fera un héros naïf, innocent et maladroit, qui croit au bien et à la justice. Quelques années plus tard, l’auteur décide de développer le personnage dans une série de comics dès 1987.  

En 1994, c’est au tour du petit écran de prendre possession de la tique dans un dessin animé diffusé sur la Fox. La série animée sera un succès critique et commercial. Elle aura droit à 3 saisons pour un total de 36 épisodes.

C’est en 2001 que The Tick reviendra sous forme d’une série télévisée avec dans les rôles principaux Patrick Warburton (Les Désastreuses aventures des orphelins Baudelaire, Malcom et Code Quantum) et David Burke (Nashville, Chuck et Bones). On y retrouvera aussi le patron d’Arthur, incarné ici par Christopher Loyd (Retour vers le futur). C’est dans cette série que Ben Edlund introduira le personnage d’Arthur Everest, comptable maladroit et timide qui deviendra le comparse de la tique. Le créateur de la série voulait être le plus fidèle du comic book. Mais malgré les bonnes intentions de Ben Edlund et avis positifs, la série aura eu du mal à trouver son public en outre-atlantique et elle s’arrêtera au bout de 9 épisodes.

Amazon prime

Cherchant pendant plusieurs années une solution pour faire renaitre The Tick, Ben Edlund se rapproche d’Amazon Prime. Il y voit une opportunité car les super-héros au cinéma sont en plein essor. Cela a créé une demande pour des séries originales sur ce thème. “The Tick” s’est avéré être un choix judicieux pour répondre à cette demande.

The Tick arrivera sur Amazon Prime qui est le diffuseur et producteur avec Sony Pictures. On y retrouve dans le rôle de The Tick Peter Serafinowicz, et dans le rôle d’Arthur Griffin Newman.

Ce que j’en pense

Quand j’ai vu les premiers épisodes de la série sur Amazon Prime, je croyais à une mauvaise blague. Avec son humour à la Hero Corp, au style et costumes kitch, la série semble au premier abord une tentative raté de surfer sur la vague des super héros. Mais après quelques épisodes, on reste scotché au fauteuil pour suivre les pérégrinations de nos deux héros. On ne sait pas vraiment pourquoi, on a l’impression d’une série développée par des fans mais au budget confortable quand on voit les costumes sophistiqués. Les antagonistes sont plus dans la caricature qu’autre chose et pourtant on se laisse emporter.  Mais si l’on regarde de plus près, on peut s’apercevoir que cette série est la plus aboutie de toutes les adaptations, et parfaitement en raccord avec son époque.

Si la première saison est basée beaucoup sur l’humour un peu lourd par moments, la fin de la première saison s’engage dans une direction plutôt plaisante. Cela viendra se confirmer dans la deuxième saison avec une intrigue un peu mieux ficelée et un humour mieux dosé. La fin de saison 2 étant ouverte, je pense qu’il était prévu qu’elle revienne pour une troisième saison. Mais le créateur, Ben Edlund, viendra annoncer sur Twitter en mai 2016, que la série en restera là :  

« Je suis désolé de dire qu’Amazon a choisi de ne pas poursuivre @TheTickTV. Je ne suis pas désolé de dire que j’aime cette série, son casting, son histoire et son message. Destiny exige que mes compatriotes et moi cherchions désormais un nouveau foyer pour cette série. » 

Si Ben Edlund ne précise pas les motivations d’Amazon d’arrêter la production, on peut néanmoins avoir quelques pistes : La série chère à produire (50 millions de dollars la première saison), Amazon a considéré à la vue des audiences, qu’elle ne serait pas rentable sur le long terme. 

C’est dommage car la série avait reçu de nombreuses nominations aux Emmy Awards en 2019 : Une pour la coordination des cascades managé par Chris Centiempo, et une autre pour le thème principal. Depuis l’arrêt de la série, Ben Edlund recherche des solutions pour faire perdurer sa création. En 2023, le créateur de The Tick avait publié un roman qui avait été salué par les fans pour son humour et son action. 

Avec une saison 1 énervante pour son humour omniprésent au dépend de l’intrigue, la série a réussi à redresser la barre dans la saison 2 pour finir en apothéose avec un dernier épisode qui nous laisse sur notre faim. 

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Personne ne peut ignorer – surtout en France – l’impact d’Henri Grouès , plus connu sous le nom de l’abbé Pierre sur l’histoire de France. Personne ne peut l’oublier car c’est lui qui créera Emmaüs avec Lucie Coutaz, après s’être défendu bec et ongles pour avoir les ressources nécessaires pour accueillir les sans-abris durant l’hiver 1954. Un hiver des plus meurtriers, car pendant 3 semaines, la température sera rude avec un ressenti à -30°. Cet homme, d’une extrême empathie, n’était jamais satisfait de ce qu’il accomplissait.

L’abbé Pierre : Une vie de combats raconte la vie de cet homme d’église depuis le temps où il dut quitter les Capucins jusqu’à sa mort en 2012. C’est donc sa vie entière qui est retracé en 2h18.

J’ai vu le film pour la deuxième fois, pour mon plus grand bonheur. Je n’avais pas vu le premier biopic sorti en 1989, avec Lambert Wilson dans le rôle titre. . Mais d’après la bande annonce d’Hiver 54, je ne peux dire qu’une chose : la performance d’acteur de Benjamin Lavernhe est absolument magnifique et surpasse de loin le jeu de Lambert Wilson qui peine à être charismatique.

Benjamin Lavernhe est un acteur que j’ai découvert la première fois dans le goût des merveilles et qui m’avait déjà surpris en son temps. Ce film, dans lequel il donnait la réplique à Virginie Efira, traitait du syndrome d’asperger.

Quant au biopic de Frederic Tellier, la direction d’acteur et le maquillage ajoutent au personnage principal une authenticité au point que l’on ne voit plus l’acteur derrière le masque. Le ton de la voix, les gestes et la démarche sont des trompe-l’œil pour le spectateur.

Au niveau de la photo, rien ne dépasse et chaque plan est choisi pour une bonne raison. le film a une dimension contemplative : la caméra fixe certains objets et décors pendant plusieurs secondes en silence comme si le temps était suspendu. C’est tout au long du film que l’on pourra observer ce procédé qui ne le plombe aucunement, mais au contraire nous permettra de faire une pause dans les combats de cet homme d’église. D’ailleurs Le premier plan du film nous indique où le long-métrage va nous embarquer : On y voit une très belle nuit étoilée, avec en fond une montagne sur laquelle un homme se dresse et regarde au loin. La lune éclaire à peine son visage et une voix off bien connue nous parle des préoccupations de l’Abbé Pierre. Cette scène magnifique – ainsi que le dernier plan du film – est filmé de façon gracieuse et paisible. La qualité de la mise en scène nous fait ressentir la fascination du réalisateur pour son personnage principal, incarné par Benjamin Lavernhe qui l’interprète de façon magistrale .

Toutes ces remarques positives me conduisent à penser que le cinéma français est loin d’avoir dit son dernier mot et que certains réalisateurs savent prendre des risques, alors que certains blockbusters américains n’arrivent pas à se réinventer.

En somme,le film de Frederic Tellier est pour moi un vibrant hommage à son acteur principal qui se surpasse.

Sources

• Météo hiver 54
• Journal 20h
• Appel du 1 février 54
• Conférence de presse
• L’archive préférée de Benjamin Lavernhe sur l’Abbé Pierre

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Sortie le 8 décembre 2023 sur Netflix, Le monde après nous est adapté du roman éponyme de Rumaan Alamest.

Le film est réalisé par Sam Esmail qui travailla sur la série Mr Robot qui avait encensé la toile. Le film nous raconte l’histoire d’un couple ayant envie de faire une pause, décide de louer un maison le temps d’un weekend. Mais une fois sur place, des évènements étranges vont arriver les uns derrière les autres. Ce film réunit des acteurs connus comme Julia Roberts, Ethan Hawke, ou encore Kevin Bacon en second rôle.

Le film fait penser au style Night Shymalan dans le sens où il conjugue subjectivité et évènements étranges se succédant sans aucun lien apparent. L’un de ces films étaient Phénomènes. Night Shyamalan jouait alors sur ambiguïté des situations pour perdre le spectateur et le mettre sur une fausse piste. Mais Le Monde après nous fait aussi penser à un autre film de du maitre du suspense : Signes qui réinventait le film de science-fiction et d’invasions extra-terrestres en se focalisant sur la peur des protagonistes face à une situation qui les dépassait. ambiance anxiogène est l’une des particularités apprécié du film.

Dans le monde après nous, les personnages principaux se sentent tout autant déstabilisés par une situation qui n’a rien de commune. La famille Standford n’a plus d’accès au réseau de communication : Internet et téléphones fixe et mobile ne répondent plus, et donc, ne peuvent pas donc plus contacter personne. Même la radio hertzienne ne fonctionne plus et il est donc impossible d’avoir de nouvelles de l’extérieur. Quelque chose ne va pas et c’est inquiétant. Les propriétaires viendront renforcer cette thèse en venant voir leurs locataires pour essayer de leur faire comprendre qu’ils sont mieux et en sécurité dans cette maison. Ce qui ajoutera encore un peu plus de mystères et d’interrogations sur ce qu’il se passe autour d’eux.

J’ai bien apprécié le film car plusieurs thèmes sont abordés. La dépendance aux technologies, la solidarité mais aussi l’instinct de survie. Deux personnages reflètent bien l’un des aspects du film : l’angoisse et la paranoïa. Amanda Standford (Julia Roberts) et Ruth Scott (Myha’la Herrold) sont ici dépeint dans le film comme des personnes se méfiant des apparences.

Le film n’est pas non plus simplement un film catastrophe (s’il peut être qualifié ainsi). Il nous explique que dans de tels cas, il est important de se rassembler pour ne pas sombrer dans le chaos et la panique face à un situation qui nous dépasse. De pouvoir se faire confiance car la société nous impose de rester sur nos gardes et ne faire confiance qu’en soi. Jusqu’à aller dans une paranoïa chez certaines personnes. C’est la force de ce film qui ne fait pas la part belle aux explosions comme dans les films de Roland Emmerich. Ici, tout passe par la psychologie des personnages.

La dépendance aux technologies est aussi abordé dans ce film qui nous montre que nous ne savons plus nous en passer. Comment pouvons-nous alors réagir en conséquences si nous n’avons plus moyen de prendre de nouvelles du monde extérieur ?

Le film a été produit par Higher Ground, une société de production fondée par Barack et Michelle Obama. Barack Obama qui avait déjà produit des documentaires animaliers pour Netflix. Si l’ancien président a su insuffler sa vision des choses pour le film, j’aurais quand même une remarque a faire sur la fin du film : Elle nous laisse sur notre faim et aurait pu avoir une fin plus développée. Mais néanmoins quelques petits défauts, le film reste au-dessus de la plupart des productions Netflix. A regarder donc.

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Avant-propos

La plupart des biopics au cinéma racontent une période de l’histoire.  Ce genre de films aiment annoncer que le film est « inspiré d’une histoire vraie ». S’il y eu un vécu, il y a logiquement des témoignages et de la documentation sur le sujet.

Je vais donc faire un peu d’histoire sur la conquête de l’Amérique, où beaucoup ont souffert de ces colonisations et parler de leur transposition au cinéma. Mais si vous préférez passer directement à la critique, vous pouvez vous rendre directement ici pour avoir mon mon avis.

La triste histoire des Amérindiens

Dans notre enfance, nous avons tous eu des cours d’histoire durant notre période scolaire. Des cours dans les grandes lignes qui demandaient d’aller au-delà des apparences afin que nous puissions nous plonger dans les livres.

De mon vécu, plus les années passent, plus les cours que j’ai eu s’évaporent avec le temps pour ne retenir que l’essentiel. Cela ne veut pas dire pour autant que ma mémoire fait défaut. Mais parce que le professeur d’histoire que j’ai eu ne pouvait ou ne voulait pas donner trop de détails. Certaines périodes de l’histoire étant assez sombres, elles ne sont pas évoquées à des enfants âgés entre 8 et 14 ans.

Il y a eu dans l’histoire des événements majeurs qui ont encore des répercussions aujourd’hui. La période de l’histoire qui nous intéresse ici et celle de l’Amérique qui s’est fondée sur des désastres humains.

Lorsque Christophe Colomb croit avoir trouvé les Indes, il ne se doute pas encore que sa découverte viendra provoquer des guerres pour la domination du territoire, des épices et de l’or (entre 15eme et 16eme siècle). Les conquistadors attirés par l’or, firent des millions de victimes notamment avec la conquête du Mexique et de l’empire Inca.

Entre le 17eme et 18eme siècle, il y aura une expansion des colonies européennes en Amérique du Nord, Centrale et du Sud. Plusieurs pays s’ajouteront à l’Espagne et le Portugal : La France, L’Angleterre, Les Pays Bas et la Suède. Les grandes puissances Européennes se concurrenceront pour le contrôle des ressources naturelles et les marchés de l’Amérique.

C’est au 18eme siècle qu’il y aura une véritable lutte pour l’indépendance des colonies américaines. Les États-Unis d’Amérique, le Mexique, l’Amérique centrale et l’Amérique du Sud l’obtiendront au 19eme siècle.

La colonisation des Amériques par l’Europe ayant apporté avec elle maladies, technologies et cultures différentes aura un impact profond sur les populations autochtones,

En ce qui concerne les Amérindiens de l’Amérique du Nord, 3 guerres furent particulièrement meurtrières :

• La guerre du roi Philip (Nouvelle-Angleterre) entre 1675 et 1676
• La Guerre des Yamasees (1715-1716)
• la Guerre de Pontiac (1763-1766)

Pour en savoir plus sur ces guerres en vous rendant ici

Cette sombre et triste histoire de la conquête de l’Amérique a souvent été portée au cinéma. Dans la plupart des films jusqu’à ces 3 dernières décennies, les indiens étaient représentés comme des sauvages sanguinaires scalpant leurs victimes. Des films essentiellement basés sur les connaissances de l’époque, véhiculant une mauvaise image des Indiens, les pointant du doigt. Des films étaient là pour montrer une certaine vérité, un peu comme nos cours d’histoire.

Cette représentation au cinéma de l’homme blanc légitime héritier des terres auparavant habitées par les autochtones, naîtra en 1930 jusqu’à fin des années 50. Cette période est marquée par l’émergence du western comme genre à part entière. Les films de cette période sont des westerns traditionnels qui permettent de montrer les conflits entre les colons blancs et les Amérindiens. Ces films ont une mise en scène spectaculaire avec des personnages héroïques. La Chevauchée fantastique (1939), Shane (1953) et Les Sept Mercenaires (1960) sont parmi les films les plus marquants de cette époque.

Puis vint la période du western crépusculaire (1960-1970) qui met en avant des films sombres et violents. Le premier de cet ère sera Pour une poignée de dollars (1964). C’est durant cette période qu’émergera le western spaghetti. Dans cette catégorie, on peut citer Le Bon, La Brute et le truand (1966), Djando (1966) et Il était une fois dans l’ouest (1968).

Enfin, la période post-moderne qui commence à partir de 1970 et se poursuivra jusqu’à la fin des années 2000. Cette période est un tournant dans le genre western, puisqu’elle permettra de remettre en question les convections du genre établi. Ce sont essentiellement des films révisionnistes. Le Bon, la Brute et le Truand (1966), Impitoyable (1992) et Open Range (2003) font partie de ceux-là.

Durant les années 90, une prise de conscience naquit et de nombreux pays reconnurent ce massacre comme un crime contre l’humanité.

C’est dans ce contexte que des films comme Danse avec les loups (1991) firent leur apparition. Danse avec les loups est un film de Kevin Costner qui en était à son premier coup d’essai en tant que réalisateur. Danse avec les loups va mettre en émoi les spectateurs pour sa narration. Il fit grand bruit car à contre-sens ce que l’on avait pu voir auparavant. Il est qualifié par les critiques d’humaniste, d’époustouflant, prônant la tolérance et la compréhension des cultures. Kevin Costner recevra d’ailleurs 7 Oscar pour ce film la même année.

Plusieurs films surferont sur le sucées de Danse avec les loups, mais sans jamais vraiment l’égaler. Le dernier des Mohicans(1992) est un bon exemple puisque malgré ses qualités, il se verra reprocher caricaturer les Amérindiens, dépeints comme des sauvages cruels et sanguinaires.

Petit à petit, les films se détachent de leur représentation très colonialiste et caricaturale des américains natifs pour aller vers quelque chose de plus authentique.

Mais cet âge d’or du western a été relégué au second plan aujourd’hui. Le dernier film de Tarantino ,Once Upon a time in Hollywood nous raconte de façon imagée mais splendide la fin de l’époque traditionnel des western, à travers l’histoire d’un acteur dont la carrière est déclinante. Certainement l’un des meilleurs films du réalisateur.

Martin Scorsese

J’adore les fresques historique au cinéma. Ces films qui plongent dans l’intégralité de la vie d’un personnage . Laurence d’Arabie, Il était une fois en Amérique et bien d’autres. Ces films ont su conquérir leur public par leur contenu et leurs personnages. Si un film doit durer aussi longtemps, c’est qu’il a ce devoir de raconter quelque chose en détails et de façon intelligente sans ennuyer son spectateur. C’est donc un véritable exercice d’équilibriste .

Un des rares qui sache le faire encore aujourd’hui est très certainement Martin Scorsese. Avec plus de 64 ans de carrière à son actif, le réalisateur âgé aujourd’hui de 81 ans, a montré plus d’une fois ce qu’il savait faire en matière de cinéma. De plus, il fait partie d’une lignée de réalisateurs qui tournent encore aujourd’hui à l’ancienne, comprenez par là qu’il se repose souvent sur des décors naturels pour immerger le spectateur. Ce qu’il y a aussi de remarquable dans la filmographie du maestro, c’est sa maîtrise de mise en scène et surtout qualité constante de ses films. Et avec les années qui passent, on peut maintenant dire qu’il n’a plus rien à prouver, preuve avec son dernier film.

Killers of the flower moon

Killers of the flower moon est le dernier film historique de Martin Scorsese sorti cette année. Il n’en est pas à son premier film historique. Casino, Gangs of New York ou encore The Irishman étaient déjà des films basés sur des faits réels.

L’histoire qu’il raconte dans ce film est basé sur un livre de David Grann intitulé La Note Américaine (le titre original est Killers of the flower moon). Grann aura dû enquêter pendant 5 ans pour retrouver les témoignages de petits et arrière petits enfants Osage sur des faits remontant à 1920. Cette histoire inconnue de l’Amérique a été rendue public grâce à la parution de ce livre en 2017. Au début de ce vingtième siècle, les Amérindiens n’étaient pas encore arrivés au bout de leur souffrance après tant de haine portée contre eux. Mais si du 16eme au 19eme siècle, il était question d’extermination des peuples Amérindiens pour leur territoire, cette histoire du 20eme siècle repose en grande partie sur les ressources et la discrimination envers ce peuple.

Les Osage, contraints de céder leurs terres natales, Le Missouri et L’Arkansas, au début du 20eme se retrouvent a être retranchés dans une réserve indienne dans l’Oklahoma (en vertu du traité de Medicine Lodge) de 1400 mètres carrés. La réserve est basée dans une région aride et inhospitalière. Les Osage ont eu du mal à s’adapter et sont confrontés à la discrimination. En 1897,ils découvrent du pétrole dans la réserve et trouvent un moyen de transformer cela en richesses. Mais les colons blancs en ont écho et commenceront à exploiter les Osage et leurs terres, employant des moyens plus que discutables : meurtres à l’arme blanche, empoisonnements, mariages arrangés pour tuer la femme plus tard et hériter, rien ne leur sera épargné. C’est au total une soixantaine de meurtres crapuleux qui auront lieu dans le but de les dépouiller de leur argent. Une enquête par le futur FBI aura lieu et justice sera faite en 1922.

Les meurtres des Osage sont un exemple tragique de la violence et de l’exploitation dont les peuples autochtones ont été victimes aux États-Unis. Il était donc important pour Martin Scorsese de pouvoir rester le plus fidèle par rapport à l’histoire des Osage.

L’authenticité

Scorsese n’a pas fait les choses à moitié pour Killers of the flower moon. Il a d’abord lu le livre de David Grann, puis s’est rendu sur les terres des Osage. Enfin et parce que sans eux rien n’aurait été possible, Martin Scorsese a rencontré pendant plusieurs heures plusieurs personnes liées de près ou de loin à l’affaire dont :

• Charlene White Eagle-Williams, une descendante de la famille White Eagle, qui a été l’une des premières victimes des meurtres de la « Fleur de lune ».
• Billie Jo HorseChief, une historienne et activiste Osage, qui a aidé Scorsese à comprendre l’histoire et la culture du peuple Osage.
• Clyde et Wilma Ellis, un couple Osage qui a raconté à Scorsese leurs souvenirs des meurtres et de la vie dans la réserve Osage au début du XXe siècle.

Scorsese voulait être au plus près de l’histoire et revenait souvent les voir pour agrémenter son scenario jusqu’à assister à certaines cérémonies Osage.

Le résultat est là : Scorsese allant dans la précision chirurgicale quant il s’agit de conter l’histoire, rendant hommage de bien belle façon aux Osage. Il est frappant de voir que le film redessine sur grand écran chaque détail de cette période. Allant de l’enrichissement inattendu de ces Amérindiens via des objets de luxe, les blancs et les jeux d’argent ou encore les caractères ciselés des personnages, rien ne manque à ce film dont la photographie est belle même de nuit. Cela change des plans de nuit filmés avec un filtre bleu.

Les décors et la photographie

Tout comme sa maîtrise de narrer son histoire, la camera de Scorsese filme des décors crasseux et poussiéreux nous immergeant dans un genre que le réalisateur n’avait jamais expérimenté : Le western. Mais c’est parce qu’il sait ce qu’il veut filmer que cela semble si réel, le tournage ayant pris place sur la réserve même des Osage en Oklahoma. l’étalonnage des couleurs donne un ton naturel au tout.

Les personnages et acteurs

La terrible tragédie des Osage est très lié aux méfaits qu’ont exercés Ernest Burkhart et son oncle William Hale sur cette tribu.

William Hale était bien connu des Osage pour faire des dons à des œuvres caritatives et être loyal. L’interprétation de Hale par Robert De Niro en fait un véritable monstre, sournois et manipulateur. Car si le personnage de Di Caprio est loyal envers son oncle car lui ayant trouvé un travail malgré ses faibles compétences, Hale n’hésitera pas à manipuler son neveu pour obtenir jusqu’au dernier dollar. Employant tous les moyens possibles et imaginables qu’un être humain puisse imaginer pour arriver à ses fins. De Niro faisant de Hale quelqu’un de froid, cupide et sans scrupules. Et le message passe formidablement à l’écran. Je n’avais d’ailleurs jamais vu au cinéma un antagoniste aussi détestable. De Niro dira dans une interview consacrée à Critqal ne pas comprendre le comportement William Hale, ne pas comprendre comment et pourquoi il a fait tant de mal à cette communauté.

Quant à son neveu interprété par Leonardo Di Caprio, il est dépeint comme une personne avec un faible niveau d’instruction ayant fini son instruction militaire, à la recherche de fortune grâce aux gisements de pétrole. C’est alors qu’il rejoindra en 1912 son oncle qui lui accordera un travail. Ne se doutant pas un seul instant que l’objectif de son oncle de le marier à une femme Osage avait pour but d’hériter sa fortune à sa mort. Di Caprio y interprète un rôle complexe et ambigu, dont on aura bien du mal à cerner les véritables motivations. Jouant sur deux plans, on le sent exécrable, pillant les morts de leur richesses tout en essayant de rassurer honteusement sa femme Mollie Kyle Burkhart.

Mollie Kyle qui est interprété par Lily Gladstone. Originaire de la tribu des Nimíipuu et des Pikunis , cette actrice Amérindienne quittera la réserve des Blackfeet pour y suivre des cours de théâtre. Ce ne sera pas la seule Amérindienne à avoir été engagée sur le film de Scorsese, puisque beaucoup d’autres personnes des mêmes origines seront prises pour des rôles secondaires comme William Belleau (Henry Roan) ou Atanka Means (Agent John WrenWren) qui est issu de la tribu Osage. Avec toujours un souci d’authenticité pour le réalisateur.

Lily Gladstone joue une Mollie Kyler se laissant croire que Ernest Burkhart est différent malgré les avertissements de ses sœurs. Mais elle n’est pas dupe pour autant des intentions de son mari qui est un américain blanc comme les autres, venu chercher fortune. Mais pour elle, il n’est pas pressé. L’interprétation de Lily Gladstone est juste magnifique. On devine ses pensées rien qu’en voyant, dans ses expressions non verbales ou les mots exprimés en anglais ou en langue Osage.

La langue Osage

Effectivement, contrairement à certains films ou séries où les peuples utilisent la même langue pour communiquer entre eux, Scorsese a fait l’effort de réapprendre aux acteurs qui en avait besoin l’usage de la langue d’origine pour mieux coller au personnage. En effet , les Osage parle une langue algonquienne qui est menacée d’extinction aujourd’hui. Il a fallu donc à Lily Gladstone des mois de répétition avant de pouvoir parler correctement Osage. Tout comme c’est le cas pour Robert De Niro et quelques autres.

Scorsese a ecrit et réalisé une histoire telle qu’elle a été vécu, sans filtres, de façon brute. La série de meurtres perpétrés sont représentés à l’écran sans modération, mettant au supplice le spectateur. Mais connaissant la façon dont Scorsese filme la violence, ce n’est guère étonnant.

Comme je le disais plus haut, le travail sur Killers of the flower moon a été titanesque pour être le plus proche de la réalité. Le film peut paraitre dur à certains moments, mais je pense qu’il était essentiel qu’il en soit ainsi pour marquer le spectateur qui ne connait pas cet épisode de l’histoire américaine.

Je pense que les films ont ce devoir de préservation de l’histoire quand ils sont bien écrits et réalisés. Pour ma part, ce film m’a appris une chose : Quelles que soient les époques, l’homme a toujours été avide de pouvoir et cherché a dominer les autres à plus ou moins grande échelle. Il peut commettre les pires fautes comme les meilleures actions, et avoir les pires intentions dans le but de s’approprier ce qui ne lui appartient pas.

Ce film m’a particulièrement ému et encore aujourd’hui, il est celui qui marque profondément mon attachement pour l’histoire des Amérindiens et en particulier des Osage. Une situation qui se rapproche d’une extermination à petit feu par cupidité. Je n’ai pas de mots assez forts pour exprimer et caractériser le type humains ordonnant ce genre d’atrocité. Par moment, ce film m’a fait penser aux pires moments de notre propre histoire.

C’est pour cela que j’ai fait tant d’efforts pour écrire cet article : Aller au-delà du film et chercher le plus de renseignements sur ce qu’il s’était passé à l’époque. Et mon prochain livre de chevet pour compléter ma recherche sera le livre de David Grann qui est tout à fait abordable.

Ce film mélange traditions et modernité, traditions indiennes et modernité apportée par les descendants des colons. Mais même si la jalousie de l’autre existe dans toutes les cultures, elle est ici multipliée par dix et importée parmi les gens qui ne voulaient qu’une chose : sortir de leur pauvreté pour vivre mieux.

Et ici, Scorsese a réussi sur tous les points, nous faisant réfléchir sur la nature humaine.

Sources et Inspirations

• “La Note américaine”, chef-d’œuvre terrifiant de David Grann
• Les États-Unis ont-ils commis un génocide contre les Amérindiens ?
• Conférence de presse– VF – Cannes 2023
• Christophe Colomb, véritable tyran ?
• Osage County OK Killers Flower Moon
• The Osage murders and « Killers of the Flower Moon »

Un grand merci à tous ceux qui m’ont soutenu pour la rédaction de l’article.

L’article Killers of the flower moon : La tragédie oubliée de l’histoire est apparu en premier sur La Piqure de rappel.

Après avoir surpris son public avec la Nuée, Just Philippot revient sur le devant de la scène avec ce film mettant en scène une menace qui touche beaucoup plus de monde que les sauterelles : La pluie.

La pluie comme potentiel source de problèmes pour les humains, cela avait été déjà évoqué dans la série danoise The Rain. Mais alors que la série la pluie est porteuse d’un virus qui tue, ici elle est devenue acide ,conséquences du dérèglement climatique et des gaz à effets de serre. Ce film est inspiré du propre court-métrage du même nom datant de novembre 2018 et qui avait fait son petit effet.

Librement inspiré de ce court-métrage, le film raconte l’histoire d’une famille séparé dont le père est un syndicaliste qui vient de prendre une peine pour avoir séquestré et battu son patron. Suite a son jugement, il est remis en liberté surveillé, obligé de porter un bracelet électronique. Sa fille est déboussolée par la situation et ne sait plus vers lequel de ses deux parents se tourner. Jusqu’au moment où des pluies acides arrivent et viennent rebattre les cartes.

La premiers chose que l’on peut dire sur ce film, c’est qu’il est incroyablement crasseux, le tout dans une ambiance anxieuse proche de l’apocalypse où tout semble mort matériellement. Les gens savent depuis un moment que le phénomène existe , mais personne n’est préparé à ce que cela puisse arriver chez eux. La situation est même décrite comme une exagération de la part des médias.

Et quand cela arrive , on ne pense qu’à une chose : survivre. Survivre, car c’est la seule chose qui nous importe dans de tels moments. Rien n’est plus urgent. Il n’y a aucune issue, aucune solution à l’instant, c’est fatal ,inéluctable. A part être avec ces proches pour vivre le dernier instant ensemble, pour ne pas mourir seul. Il n’y aurait donc pas de fin joyeuse. Sauf peut-être dans certains films catastrophes américains où un dénouement est toujours à possible à la fin du métrage. Pas dans le film de Just Philippot.

De bout en bout, le film nous met les nerfs à vif, le spectateur cherchant à savoir quand le cauchemar va s’arrêter. C’est d’ailleurs simple, le film m’a rappelle la série The Walking Dead pour son coté cataclysmique et La Guerre Des Mondes de Steven Spielberg, où l’instinct et la peur primale des hommes surpasse tout dans un seul but : Rester en vie. Pour interpréter mes propos sur le film de Spielberg, je vous recommande l’analyse faite par La Séance De Marty sur La Guerre des monde, qui démontre de façon exceptionnelle, le paroxysme d’une situation hors de contrôle.

Just Philippot ne ménage pas son spectateur. Le sentiment de peur est bien présent. Comment se protéger d’un élément qui s’immisce partout et mortel. Cet élément qui est pourtant source de vie en temps ordinaire, devient ici le pire ennemie que nous puissions imaginer puisque partout. Comment ne pas lever les yeux et scruter au loin si nous ne voyons pas la menace d’un nuage gris, le bruit sourd et lointain du tonnerre qui petit nous faisaient si peur.

Sur ce point, le film est réussi. Deux plans larges nous montrent bien l’envergure de la menace et la terreur qu’elle nous procure.

Cette pluie acide va non seulement nous terroriser de par sa dangerosité, mais aussi déconstruire nos certitudes sur ce qui peut nous garder en vie. Nous mettre en sécurité dans des voitures qui pourtant fondent tel du plastique ? La rouille qui en découle et devient à son tour dangereuse . Tout comme les ponts faits d’acier et qui semblent devenir des châteaux de cartes, bien fragiles devant cet élément devenu ennemi public numéro 1. Et enfin l’eau des ruisseaux et rivières qui ne sont plus source de rafraichissement mais qui inspirent la méfiance. Si par malheur vous vous y risquez, s’en est finit pour vous, car la pluie acide est dense rien ne vous sera épargné. Just Philippot vous montre de façon cru ce qu’il en devient de votre peau à ce moment là et nous rapproche de la vision d’horreur des visages des zombies de la série américaine cité plu haut.

Si techniquement le film est très réussi pour un budget de 3 millions d’euros, il n’est pas parfait. L’ambiance anxiogène des images de désolation font de l’ombre aux personnages angoissés qui manquent de nuances dans leur jeu. Ici, pas d’évolution importante dans les personnages et ils semblent froid. Si le personnage de Guillaume Canet semble conscient de ses actes violents , cela ne lui sert pas vraiment. Juste le sentiment qu’il faut qu’il rassemble sa famille, surtout sa fille qu’il a peur de perdre. Une façon de racheter son lourd passé, mais sans que le film puisse offrir une lueur d’espoir.

Ne pensez pas que le film vous laissera indemne. Ce film n’est pas film issu du monde D’Hollywood. Le film de Philippot n’est pas là pour vous brosser dans le sens du poil ni montrer de solutions miracles au phénomène. Il est là pour pointer du doigt les conséquence d’un phénomène qui pourrait s’accentuer si rien n’est fait dans les vingts prochaines années. Car si le film nous expose le sujet des pluies acides de façon exagéré, ces pluies existent déjà dans le monde, tuant a petit feu la faune et flore.

C’est donc un film assez sombre, impitoyable et cru dans sa mise en scène mais qui est là pour nous alerter des conséquences de l’homme moderne, à mi-chemin entre fiction et réalité.

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Il y a des films qui ont des budgets faramineux pour un résultat très moyen, et parfois il sort en cinéma des films qui s’en sortent mieux avec un budget serré. C’est le cas de The Creator.

Réalisé par Gareth Edwards, connu pour son travail sur Godzilla et Rogue One, The Creator nous raconte l’histoire d’une guerre entre humains et intelligence artificielle, guerre qui a débuté alors qu’une bombe nucléaire vient s’abattre sur Los Angeles.

Porté par un John David Washington que l’on avait déjà vu dans Tenet, The Creator a d’abord comme particularité d’avoir une direction artistique sublime. Les effets spéciaux sont très aboutis et naturels pour un budget de seulement 80 millions de dollars. Ceci est remarquable pour un film qui possède quasiment à chaque plan un effet numérique. D’ailleurs ce type d’effets spéciaux naturels qui se fondent avec le décor m’a fait penser à District 9.

Visuellement très réussi, le film nous offre un panel de décors et costumes mélangeant tradition et modernité. Les intelligences artificielles arborent des costumes et des formes qui permettent de percevoir leur fonction au premier regard. Allant du soldat classique à l’ouvrier agricole en passant par la nourrice, toute cette variété est plaisante à voir.

Mème si le film est artistiquement réussi avec de nombreuses idées de technologies, le scenario n’est pas si innovant et quelques fois prévisible. La guerre entre les machines et les humains a de nombreuses fois été exploité au cinéma, on pense notamment à Matrix, Terminator et à moindres mesures I Robot.

Mais si la base du scenario semble réchauffée, le scenario pioche des idées issus des derniers conflits mondiaux avec comme grande puissance les États-Unis. Ce symbole de toute puissance est représenté par un vaisseau , l’USS Nomad, capable de faire des frappes chirurgicales depuis l’espace. Cet énorme vaisseau est principalement là pour montrer les muscles et voler au dessus des zones civiles afin de déceler les bases rebelles. Cette guerre dans ce film nous rappelle les récents conflits, comme la guerre du Golfe où les américains justifiaient leur présence car ils pensaient que l’Irak possédait des armes de destructions massive. Ici, c’est la même justification pour utiliser l’USS Nomad et raser des villages entiers car ils ne se seraient pas soumis à l’autorité américaine.

Gareth Edwards pointe ici les erreurs des États-Unis et les justifications de faire la guerre sans fondement ni discernement. D’ailleurs il y aussi un propos politique et une peur des propres créations de l’homme. Se sentant dépassé par l’intelligence et l’autonomie des simulant (ou A.I.), la première puissance mondiale riposte et utilise tous les moyens pour arriver à son but sans recul.

Le film n’est donc pas parfait à tous les niveaux mais The Creator peut bomber le torse en réussissant à nous faire voyager dans un univers palpable et réaliste, alors que les grosses productions comme chez Marvel ont des effets spéciaux qui ne trompent plus l’œil humain.

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Agatha Christie et les adaptations

Agatha Christie et Sir Conan Doyle doivent être fier de toute la popularité acquise par leurs personnage au fil des décennies. A travers de nombreux ouvrages, films et séries, il est devenu impossible aujourd’hui de ne pas connaitre ces deux détectives privés que sont Hercule Poirot et Sherlock Holmes.

Le sujet qui nous intéresse aujourd’hui est bien sûr Hercule Poirot. Ce détective privé né en Belgique, sera mobilisé en tant que chef de la sécurité pendant la première mondiale. Blessé à la jambe, il sera déclaré invalide et rapatrié dans son pays. Quelques années plus tard, il deviendra détective privé et s’installera à Londres. Cet homme, est d’une précision chirurgicale, analysant chaque fait et geste. Mais son principal défaut est l’orgueil . Toujours habillé de façon classe,il aime être mis en avant pour son intelligence et n’aime pas que l’on remette en doute ses déductions.

Hercule Poirot a maintes fois été adapté au cinéma et la TV. Mort sur le Nil ainsi que Le Crime de l’Orient-Express restent d’ailleurs les deux seuls livres à ma connaissance à avoir été adapté autant de fois (cinéma, télé, bandes dessinées et jeu vidéo).

Kenneth Branagh

Il était donc normal qu’une nouvelle adaptation cinéma des romans d’Agatha Christie voit le jour. Et c’est Kenneth Branagh qui fut choisi comme réalisateur pour Le Crime de L’Orient Express en 2015 (Le film est sorti en 2017). Mème si je ne le trouve pas physiquement adapté pour interpréter Hercule Poirot, je dois dire que dans ce premier film il sait jouer de son personnage. Peut-être trop à mon avis par l’excès de confiance qu’il met dans son interprétation. Sans oublier l’énorme moustache que Kenneth Branagh arbore et dont on ne peux passer à coté, une moustache à la limite du ridicule. Mais à Croire Agatha Christie, c’est cette moustache dont il est le plus fier.

Dans la deuxième adaptation, Mort sur le Nil, Hercule Poirot est obligé de reprendre du service alors qu’il rentre sur Londres. Les décors somptueux et la photographie superbe mettent en lumière l’Égypte des années 40. Et tout comme les livres, l’enquête se passe à un huit clos , avec cette fois un navire de croisière comme scène de crime.

Les deux premiers opus font la part belle au passé d’Hercule Poirot. Dans Le Crime de L’Orient-Express, on découvre que le détective est profondément attristé par la perte d’un être cher que l’on peut découvrir sur une photo encadré qu’il a sur lui lors de ses voyages. Mais c’est dans Mort sur le Nil que l’on en apprend beaucoup plus. Son passé est clairement expliqué lors d’une scène se passant durant la première guerre mondiale.

Les deux premiers films ont toujours eu pour moi des rôles principaux et secondaires bien écrits. Et je ne saurais dire ce qu’il motive Kenneth Branagh, mais le casting est toujours quasiment 5 étoiles. Mais le revers de la medaille, dnoces el snad todaG laG te sserpxE-tneirO’L ed emirC eL ruop peeD ynnhoJ : reirtruem ud semitciv sel tnos iuq serbèléc sruetca sel sruojuot tse’c euq tse’c.

Mystère à Venise

L’évocation d’un troisième film sur les aventures d’Hercule Poirot se fait alors même que le tournage de Mort sur le Nil n’est pas encore fini. Avec l’aide de son scénariste Michael Green, Kenneth Branagh aura l’idée de mettre une histoire de fantômes, tout en s’inspirant d’une nouvelle d’Agatha Christie « Le Crime D’Halloween ». Nouvelle qui avait pour titre original La fête du potiron. Cette nouvelle a d’ailleurs fait l’objet d’une adaptation TV, mettant mettant en scène David Suchet dans le rôle titre.

Mais si Mystère à Venise est adaptée de la nouvelle d’Agatha Christie, le film de Kenneth Branagh s’inspire aussi d’un recueil de nouvelles sur le surnaturel.

Critique

La première erreur de Kenneth Branagh est de ne pas avoir été patient pour peaufiner son script. Car si Le Crime d’ L’Orient-express est sorti en 2017 et Mort sur le Nil 5 ans plus tard, il n’aura fallu qu’un an pour que le troisième opus sorte. C’est peu et cela se sent.

D’abord sur le personnage d’Hercule Poirot. Ce dernier semble avoir le caractère effacé de toute caractéristique comme l’arrogance. N’en restera qu’un gimmick usé jusqu’à la corde que même Branagh est fatigué de jouer : La taille parfaite des œufs qu’il achète. N’y avait-il pas d’autres choses à jouer pour avoir un semblant de personnalité ? Même David Suchet a fait mieux durant 6 saisons.

Brannagh interprète un Hercule Poirot qui laisse le spectateur passif et non impliqué par les événements qui se passe à l’écran. On a l’impression qu’il cherche plus à démystifier les fantômes et le spiritisme plutôt que de chercher réellement le meurtrier. Toutes les caractéristiques qui font d’Hercule Poirot un personnage hauts en couleurs semblent ici avoir été effacé du protagoniste.

Quant à la photographie, elle semble terne et froide comme si on avait posé un voile gris sur le projecteur. Tout est en nuance jaune sépia, avec peu de couleurs opposées. Le tout étant accompagné d’une musique à base de violons monocorde et sans richesses de tons. Certainement pour accentuer le ton de l’œuvre qui se veut pour avoir comme fil rouge l’ésotérisme. Mais cela est trop appuyé et efface le coté enquête des aventures d’Hercule Poirot pour faire basculer le film dans un genre que Kenneth Branagh n’arrive pas à contenir.

Mystères à Venise fait aussi la part belle aux dialogues plus que la fulgurance qui fait une des caractéristiques du personnage principal. Mais c’est aussi parce le film se prétend être chose que ce qu’il devrait être.

Peut-être que le réalisateur voulait se démarquer du genre , mais pour moi c’est à moitié réussi.

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Début de carriere

Saviez-vous que Quentin Dupieux et Mr Oizo sont la même personne ?

En effet, avant d’être réalisateur, Quentin Dupieux débute une carrière de musicien dés l’age de 18 ans en concevant une bande son pour un des courts métrages qu’il vendra à Canal +. De sa rencontre avec Laurent Garnier en 1999, il signera avec le label de musiques électroniques FCom/PIAS sous le pseudo de Mr. Oizo.

Il commencera à faire parler de lui pour son titre Flat Beat, un morceau House qui se vendra à plus de 3 millions d’exemplaires dans le monde. Il sera même récompensé aux Brit Awards aux cotés de grand noms comme Jamiroquai, Chemical Brothers et Fatboy Slim.

Même si il réalise des moyens métrages depuis 2010, son activité musicale est encore présente, son dernier single Pharmacist datant de 2020. Il réalise aussi quelques fois les B.O de ses films comme celle de Steak.

Rubber

C’est en 2010 que Quentin Dupieux se fera remarquer avec son moyen métrage Rubber. Le budget du film est modeste (8000000 euros) et les effets spéciaux fait à l’ancienne sans avoir recours au numérique (ou très peu). Le scénario n’est pas banal et c’est aussi ce qui fera la patte Dupieux :

Dans le désert californien, un pneu nommé Robert commence à perpétrer les meurtres grâce à des pouvoirs psychokinétiques. Pendant ce temps, des spectateurs incrédules regardent et commentent au loin les méfaits. La police locale enquête sur ces meurtres, tandis que le pneu poursuis une jeune femme dont il est étrangement attiré.

Vous l’aurez compris, dés son deuxième film, Quentin Dupieux pose son style. Jonglant entre situations absurdes et dialogues à prendre au deuxième voire troisième degré, Quentin Dupieux ne se prends pas au sérieux dans un univers dont seuls les personnages trouvent cela normal ou presque. Car quand un père apprend la nouvelle de son fils, cela nous renvoie à une certaine critique qui trouve Rubber sans aucun intérêt. C’est d’ailleurs ce que j’avais pensé la première fois, mais j’étais formaté sur un certain type de film posé et demandant réflexion. N’ayant pas le recul nécessaire j’avais arrêté avant la fin, trouvant le film indigeste . Mais dés que des ami(e)s m’aient fait découvrir Fumer fait tousser, j’ai reconsidéré Quentin Dupieux et Rubber que j’ai revu récemment.

Dans Rubber, il y a la police qui est invincible aux balles, un pneu qui regarde la TV et boit le lait renversé à même le sol, des spectateurs qu’on essaye d’empoisonner car les personnages ont envie d’en finir avec le film … C’est totalement absurde mais ça marche.

L’absurde assumé est la marque de fabrique de Quentin Dupieux. Je ne pense qu’il y est aujourd’hui en France quelqu’un qui maitrise mieux le sujet que lui sans tomber dans le nanardesque .

Le cinéma français

Après s’être essayé le temps de quelques films aux états-unis, il revient en France avec Réalité. Et le tour de force du réalisateur, sera de convaincre dés 2014, de réunir deux têtes d’affiche que le public connait bien : Alain Chabat et Jonathan Lambert.

Les films suivants seront du même gabarit au niveau du casting : Benoit Poelvoorde, Grégoire Ludig, Jean Dujardin, David Marsais, Adèle Exarchopoulos, Bruno Lochet, Benoit Magimel, Léa Drucker, Gilles Lellouche, Vincent Lacoste, Raphaël Quenard ….et j’en passe.

Au fil des années, Quentin est devenu une valeur sure pour les acteurs, quelqu’un qui tort les codes pré-établi du cinéma, tout en réalisant ses films en un temps record (Rubber , c’est seulement 15 jours de tournage avec une équipe réduite). Et cela est devenu une patte, une marque de fabrique et les acteurs ont envie de participer à cette aventure.

Mais s’il réunit beaucoup d’acteurs connu, il arrive aussi à les faire revenir. Dans Fumer fait tousser, Raphaël Quenard avait déjà joué dans Mandibules et d’autres films avant cela. Mais jusque là, c’était des rôles secondaires, qui n’apparaissaient que le temps de quelques scènes . C’est lors de la promotion de Fumer fait tousser au festival de Cannes que tout changera pour Raphaël Quenard. Voyant son potentiel et son phrasé particulier, Quentin Dupieux a eu l’idée de mettre Raphaël sur le premier plan dans le film qu’il écrivait en secret : Yannick.

Yannick

Raphaël Quenard porte le film du haut de ses 1.85m. Il explose littéralement tout sur son passage. Travaillant 6 jours sur 7, Yannick, gardien de nuit prend un jour de congés pour se détendre. Mais devant la piètre qualité de la pièce de théâtre qu’il est venu voir après 45mn de route, il est obligé d’intervenir en pleine représentation. Une situation qui n’arrive jamais. Et Sophie Denis interprété par Blanche Gardin n’oubliera pas de lui faire la remarque même si Yannick n’a pas tout à fait tort. Et c’est précieusement à cet instant que le film part dans l’absurde.

Tout va alors s’enchainer très vite avec des situations plus loufoques les unes que les autres. Yannick en preneur d’otage mais qui sympathise avec deux spectatrices, Yannick qui emprunte à un spectateur un pc portable dont le mot de passe est vaginale (crié à tout le monde car le possesseur de l’ordinateur est obligé de rester assis à sa place), Yannick qui veut changer en cours de représentation les dialogues de la pièce….

C’est une succession de moments et dialogues croustillants, mais qui mettrait mal à l’aise si nous étions en train d’assister à la scène.

C’est donc en grande partie grâce à Raphaël Quenard que le film prend toute sa dimension. Et si Yannick est irrationnel à vouloir couper la pièce en cours de route, il est tout aussi absurde en preneur d’otage. C’est ce qui fait la force de Raphaël Q. Faire exister un personnage que l’on sent seul, à coté de la réalité,ayant peu de culture, tout en montrant que que son personnage est en manque de reconnaissance.

ll ne faut oublier Pio Marmaî et Blanche Gardin qui interprètent à la perfection des comédiens jouant mal mais persuadés du contraire, tout en regardant du coin de l’œil le public dans l’espoir d’avoir leur approbation. Pio Marmaî joue un Paul qui ne se laisse pas marcher sur les pieds et qui veut que l’on respecte son travail, même si son jeu manque un peu de naturel . D’ailleurs Paul trouvera la situation bien vite inconfortable quand Yannick viendra l’interrompre, et réussira au bout d’un moment à le faire sortir. Mais les choses changeront lorsque Yannick reviendra pour menacer la salle et les comédiens d’une arme à feu.

Quant à Blanche Gardin, son personnage se dit bien jouer, mais a peur de passer pour un guignol quand elle voit des dialogues mal écrits. L’interprète de Sophie joue parfaitement la femme qui gère mal son stress devant les situations dangereuses et qui propose l’impensable pour se sortir de ce guêpier.

Ce trio de personnages font de ce film un petit bijou. Car même si les traits de Yannick sont un peu exagérés, comment ne peut avoir d’empathie pour un personnage qui se sent seul et mal compris. Et comment ne pas se mettre à la place des spectateurs dans une situation qui met mal à l’aise, devant un situation inédite et non prévue par la pièce.

Un malaise tout à fait compréhensible car chaque personne ayant fait du théâtre même amateur, n’aime pas voir son travail saboté en pleine représentation. Car comme le disent si bien Sophie : « Cela ne se fait pas du tout ce que vous faites ».

Ce que nous montre ici le réalisateur en mettant en avant les revendications de Yannick, c’est le fait d’un monde qui aspirerait à quelque chose de mieux, de personnages au bord de la crise de nerfs car des efforts qui sont fournis ne sont pas à la hauteur des attentes.

Mais cela ne veut pas dire que l’on ne s’amuse pas par ce huit clos, bien au contraire. Certainement le film de Dupieux le plus mature. Film qui aurait pu être encore plus immersif si le film avait été tourné camera à l’épaule. La camera aurait été justifié d’une façon ou une autre dans le scenario.

Pour ma part, j’attends avec impatience Daaaaaali qui relate l’histoire d’une journaliste française rencontrant Salvador Dali à plusieurs reprises pour un projet de documentaire.

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Après nous avoir agréablement surpris dans son Triller Boite Noire , Yann Gozlan nous revient avec un nouveau film sur fond de de relation toxique.

Visions nous emmène dans une relation entre trois personnes , dont Ana qui revient dans la vie d’Estelle vingt ans après leur séparation. Des cauchemars très réel vont s’en suivre, déstabilisant ainsi la pilote de l’air pourtant normalement sûr d’elle.

Pour tout dire, lorsque j’ai vu la bande-annonce et le titre du film, j’ai pensé que cela était la nouvelle production de la société qui avait produit La nuée et qui sortira prochainement Acide. Car le thème des visions n’est pas souvent évoqué dans le cinéma français moderne, si ce n’est qu’en plus, il y avait un parfum de fantastique.

Au début du film tout semble idéal pour ce couple vivant dans le sud de la France, dans une maison luxueuse. Mais très vite, cette vie va être chamboulé par quelqu’un qu’Estelle ne pensait plus voir de sa vie.

Tout comme Estelle, le spectateur sera de plus en plus perplexe et confus tout au long du film , mélangeant scènes de fiction et de réalité. Estelle sera la première étonnée de voir à quelle point ses cauchemars deviennent une réalité tangible. Le montage du film nous imprègne de ses pensées et nous met dans la même confusion que le personnage principal, sans qu’on sache vraiment si cela se passe en elle, que cela soit du à une une vision ou encore le fait de craintes fantasmées.

Matthieu Kassovitz interprète un homme qui essaye de dissuader Estelle que cette relation n’amènera rien de bon. Son personnage aime sa femme et protecteur auprès d’elle. Depuis le temps qu’ils se connaissent, il se dit qu’il serait peut-être temps d’avoir un enfant ensemble. Guillaume ne changera pas de position et protégera sa femme du mieux qu’il peut tout au long du film. Le jeu d’acteur de M. Kassovitz est diversifié et montre dans les scènes de cauchemars une autre facette de lui, sans qu’on sache s’il pourrait véritablement être comme cela dans des conditions réelles. Un très bon rôle pour M. Kassovitz qui nous avait déjà démontré ses talents d’acteur dans le bureau des légendes.

Quant à Diane Kruger, on le la présente plus. Plusieurs fois nominé pour les films populaires comme Troie, les brigade du tigre ou encore Inglorious Bastards, cette actrice confirmée d’origine allemande nous interprète ici un personnage perturbé par ses visions, sombrant peu à peu dans la paranoïa et le désespoir. Un personnage qui au début, fait du sport de façon assidue pour se tenir en forme, et est très persévérante dans sa vie professionnelle.

Sur deux points Visions est semblable à Boîte noire :

Tout d’abord, sur le plan de l’aéronautique. Les deux films présentent des personnages travaillant pour l’aviation civile. Dans Boite Noire, c’est l’acteur Pierre Niney qui joue un agent chargé d’enquêter sur un crash aérien. Ici c’est Diane Kruger en pilote de l’air. Yann Gozlan à un une fascination pour le monde de l’aviation. Il montre qu’il maîtrise le sujet de bout en bout que ce soit visuellement ou techniquement. Tous les plans présentés dans Visions sur les avions sont fait pour qu’on y voit grandeur et majestuosité.

Ensuite, sur le plan de musique ou plus particulièrement des bruits sonore. Dans Boite Noire, ce sont les retranscriptions sonores enregistrées par la boite boite de l’avion qui sont scrutées à la loupe par l’agent de la BEA. Dans Visions, c’est deux scènes en particulier qui ont éveillé ma curiosité : Alors qu’Estelle écoute un message vocal fait uniquement de sons, elle arrivera à resituer l’interlocuteur lors de l’enregistrement vocal. Deux situations ayant le même but dans deux films différents.

Quant à la dernière scène du film, elle vient finir la boucle avec le début du film donnant un air de fantastique, qui laissera dans l’expectative le spectateur.

En résumé, Yann Gozlan réussit à imposer une ambiance oppressante, avec la mise en place d’une relation toxique et destructive, tout en nous mettant dans la psyché du personnage principal. Ce tour de force, je n’ai pu le voir qu’une fois jusqu’à aujourd’hui, c’était dans The Father, qui traite de la maladie d’Alzheimer.

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Robert Rodriguez est un réalisateur qui aura connu son heure de gloire. Ayant été récompensé par plusieurs prix avec son court métrage Bedhead en 1990, il réalisera son premier long métrage El Mariachi qui aura droit à sa suite, Desperado. Ce film, avec comme rôle principal Antonio Bandera , mélange Western et action. C’est dans ce film que l’on verra apparaître en caméo Quentin Tarantino .

Mais Quentin Tarantino ne fera pas juste un caméo dans le film, puisqu’un an plus tard, en 1996, il collaborera avec Rodriguez, écrivant le scenario d’Une nuit en enfer et sera même l’un des deux rôles principaux. Mélangeant les genres horreur et action, ce film raconte l’histoire de deux frères criminels qui prennent en otage une famille . Ils s’arrêteront un soir dans un bar, pour y faire une halte. Mais ce qu’ils ne savent pas, c’est que le bar est le repaire de personnes aux capacités spéciales.

Plus tard, Rodriguez travaillera de nouveau avec Quentin Tarantino en imitant le style Grindhouse dans leurs longs métrages respectifs Boulevard de la mort et Planète Terreur. Les deux films ont un point commun , leur style. En effet, avant l’avènement du numérique dans les années 2000, tous les films étaient tournés sur pellicule. Et il arrivait que cette pellicule au fil des visionnages vieillisse mal et fasse apparaitre des traces d’usure à l’écran. C’est cet effet de vieillissement prématuré que Rodriguez et Tarantino reproduiront chacun dans leur film. Un style qui donne un certain cachet et une authenticité que l’on retrouve rarement au cinéma aujourd’hui. Ce film se divise en deux parties , la première étant plus un film de braquage et la deuxième partie partant sur du fantastique.

La carrière de Rodriguez continuera son envolée, et dans le même style qu’une nuit en enfer, avec l’adaptation de la fausse bande-annonce Machete en long métrage (2010) et de sa suite Machete Kills (2014). Passionné de BD, Il sera aussi à l’origine du long métrage Sin City qui est l’adaptation de la bande dessinée du même nom, de Frank Miller.

C’est à l’époque de ces films que Rodriguez mettra en scène tout son génie. Par la suite, aucun de ses films ne pourra égaler cet âge d’or où le réalisateur regorgeait d’idées.

Et voilà pourquoi, je voudrais revenir sur Hypnotic. Ce film fait partie de ceux qui sortent un peu du style Rodriguez pour aller sur une voie qui ne lui ressemble pas habituellement. Les bandes annonces donnaient le ton, et l’on pouvait prétendre à voir au cinéma un concept intéressant.

Le film aurait pu être une belle surprise s’il n’avait pas été exécuté un peu trop rapidement. Les évènements arrivent malheureusement beaucoup trop rapidement pour que l’on ait le temps de digérer les explications de la scène précédente. Car il y a de nombreux twists, parfois un peu trop, au point que certains des dialogues qui suivent virent au ridicule, peut-être en raison de la faible longueur du film (1h35), ce qui ne lui permet pas de respirer. On a l’impression qu’il manque certains plans.

Certains spectateurs pourraient donc se perdre dans un récit labyrinthique aux nombreux rebondissements et ils doivent bien rester bien accrochés au siège pour tout comprendre.

Et pour tout bien comprendre, il faut garder l’oreille attentive et l’esprit ouvert. L’hypnose telle que la connait dans la vie, suppose dans ce film des pouvoirs surnaturels. La façon dont Rodriguez traite l’hypnose avec son univers riche certes, n’empêche pas de donner au film un ton parfois nanardesque.

Quant aux acteurs, on peut retrouver Ben Affleck et Alice Braga, ainsi que William Fichtner . Mème si le personnage de Ben Affleck semble avoir un peu d’épaisseur, les rôles d’Alice Braga et William Fichtner n’ont pas eu droit au même traitement. Certains dialogues les rendent parfois un peu trop lucide sur ce qu’il se passe (surtout Danny Rouke) tout en laissant le spectateur dans l’expectative.

C’est bien dommage, car il y avait du potentiel mais qui aurait demandé à être plus mûrement réfléchi.

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Juste après avoir quitté Warner Bros pour rejoindre Universal, Christopher Nolan avait déclaré que son prochain serait un biopic sur l’homme qui inventa la bombe atomique. Surpris, j’avais surtout une crainte, que le studio impose sa vision au point de ne laisser aucun choix artistique à Nolan.

Mais preuve en est qu’après être sorti de la séance de cinéma, je m’étais trompé.

Certains reprocheront à Nolan de tout expliquer au spectateur comme dans Tenet et Interstellar (souvenez-vous de la scène où l’on explique les trous de verre avec une feuille et un papier), on ne peut pas reprocher à Nolan de faire des films au rabais. Et pour moi, quasiment tous ses films sont une réussite.

J’avais d’ailleurs à l’époque de la sortie de Tenet, fait une critique très longue sur le sujet sous la forme de lettre ouverte. Sa maitrise de la caméra, la façon dont il se documente sur le sujet, les choix artistiques, mais surtout sa volonté absolue que ses films sortiront d’abord au cinéma, et non pas sur les plateformes de SVOD. Cette volonté et ses valeurs en font aujourd’hui un des réalisateurs qui se font rares dans l’art de raconter des histoires captivantes et le voir sur grand écran.

C’est pour ce genre de films que je vais au cinéma, mais en premier lieu parce que le cinéma est une vraie expérience quand on va voir des films aux symboles forts.

Suite à l’arrêt de sa collaboration avec son frère dans l’écriture de ses films, Nolan avait écrit et réalisé deux films : Dunkerque et Tenet. Même si ce dernier à quelque peu divisé le public par sa complexité, cela reste le seul écueil de sa filmographie. Mais si le film n’a pas comblé les attentes de la Warner, il en faut pas totalement jeter la faute sur Christopher Nolan. Nous étions en période de Covid encore et le public était assez frileux de retourner en salles, perdu et angoissé par les restrictions faites par les distributeurs pour accéder aux salles (masque obligatoire, un siège vide entre deux personnes). Le climat n’était pas bon. Le climat ne s’est pas calmé non plus quand Nolan critiqua ouvertement Warner qui voulait sortir à l’époque ses productions en salles et sur HBO Max en même temps. Ce qui déclencha l’arrêt de la collaboration entre Nolan et la Warner Bros.

Son arrivée chez Universal me faisait dire que les chamboulements ayant eu lieu récemment à Hollywood, les films de Nolan allaient peut-être en pâtir artistiquement. Le retour du compositeur Ludwig Göransson sur Oppenheimer après Tenet, me faisait grincer un peu les dents. Même si je ne connais pas Ludwig Göransson pour son œuvre, je dois dire que sa musique sur le film de science-fiction / espionnage est un peu criarde et la moins mélodique de ce que je connaissais.

Et bien ici, dans Oppenheimer, c’est tout le contraire. La musique met parfaitement les scènes en forme et accompagne les moments de tension avec brio. Le montage est d’ailleurs à féliciter, mettant en surbrillance ce qu’il se passe dans la tête d’Oppenheimer quand le moment de la première explosion arrive.

C’est d’ailleurs à plusieurs moments dans le film, que l’on voit les pensées du père de la bombe atomique, à travers des images de désolation sur les conséquences de ses actes. Ou encore de la camera qui tremble tout en fixant Oppenheimer laissant penser qu’Oppenheimer est terrifié par sa découverte et de l’utilisation qui peut en être faite par l’armée. Même si ses collègues se réjouissent de la réussite de leurs recherches, Oppenheimer est terrifié par les résultats.

Le film dure trois heures mais sans jamais lasser le spectateur happé par l’envergure du récit. Car, s’il s’agit pour Nolan de raconter l’histoire de la première bombe atomique, il enrichit son histoire avec la vie personnel et sentimentale d’Oppenheimer, le tout saupoudré de politique et de trahison.

Beaucoup de cinéphiles connaissent Nolan pour son intérêt au temps. Et encore une fois, il nous surprend et détourne les codes cinématographiques. Alors que dans la plupart des films, les scènes en noir et blanc évoque des passages se passant dans le passé, ici Nolan utilise ces couleurs pour nous compter le présent. Il y a d’ailleurs trois temporalités comme dans Dunkerque. Mais cette fois ci, sans indiquer quand cela se passe. Cela peut paraitre quelque peu déroutant au début, mais sans laisser notre cerveau se remettre en cause tout au long du métrage. La gymnastique se fait facilement et on a vite faire de s’y faire.

On sait aussi que Nolan aime les effets pratiques, plus que les effets numériques. Il faudra acheter le DVD ou Blu-ray du film pour savoir comment il a pu réaliser les visions de Oppenheimer, ou encore mettre en image un champignon atomique. Un article d’Allociné avait révélé la façon dont il avait procédé pour la séquence de l’explosion.

Pour ce qui est d’acteurs, seul Nolan et quelques rares réalisateurs peuvent se vanter d’offrir un aussi beau casting : Cillian Murphy, Émilie Blunt, Robert D Junior et Matt Damon en général cherchant coute que coute à arriver à ses fins et réfléchissant de façon très pragmatique.

Que ce soit des rôles secondaires, tous excellent dans leurs personnages avec le rôle principal ayant constamment des doutes sur ce qui l’obsède. Et comme je le disais plus haut, c’est la mise en scène de Nolan qui met en lumière toutes les facettes des différents acteurs de ce moment de notre histoire.

Oppenheimer jusqu’à sa mort, regrettera avoir inventé cet engin de destruction. A travers ses dialogues dans le film et la vie réelle, se dira être un destructeur de monde, tant les remords le rongeront de l’intérieur.

Un biopic donc à voir, pour apprendre tout de la première bombe atomique et de ses conséquences sur notre société actuelle.

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Petite surprise qui est arrive en salles dernièrement, Le Lion. Film avec Danny Boon jouant le rôle titre d’un supposé agent secret. Je dis bien supposé car on s’aperçoit qu’il est au début du film suivi par un psychiatre qui doute de la sincérité de son patient. Psychiatre qui est joué ici par Philippe Katerine

A la vue de la bande annonce, je pressentais quelque chose de sympathique et que j’avais envie de voir avec cette question en tête : Est ce que Léo Milan est vraiment un agent secret ou non ?

Mais il me restait une question qui pouvait mettre en berne ma joie : Philippe Katerine. Je présumais le pire après avoir vu Gaz De France, le seul film que j’avais vu dans lequel il joue(Je n’ai pas encore vu Le Grand Bain). Cette seule expérience de cinéma ne m’avait pas laissé de bons souvenirs sur l’acteur.

Sur Le Lion, je ne savais pas grand chose, et je m’attendais à voir un film se passant en grande partie dans un hôpital ou un psychiatre essaye de dénouer le vrai du faux à propos de son patient avec éventuellement une poursuite en voiture pour essayer de rattraper Léo Milan s’étant échappé de l’hôpital et étant considéré comme dangereux.Mais ce n’est pas exactement ce qu’il s’est passé

Le film débute sur une séquence pleine d’action,bien rythmé qui nous met l’eau à la bouche. Ça y est, on y croit , le James Bond Français est là devant nous, avec un Danny Boon en pleine forme. Mais le reste du film n’est pas du mémé gabarit. A commencer par Danny Boon lui-même, qui au bout de 15 mn de film, nous ressort des blagues et expressions tout droit sorti de ses sketchs et son accent chti qui remonte à la surface par moment. Ce qui décrédibilise son personnage et répond à notre question beaucoup trop tôt : non Léo Milan n’est pas un agent secret. Dommage , car pour ma part, j’aurais voulu douter de lui pendant une bonne moitié du film, ce qui aurait eu le mérite d’être intéressant.

De plus , le passage dans l’hôpital est court , mais pour mieux nous servir et nous visiter diverses lieux. Et heureusement, car si dans ma première idée, le film devait se passer quasi entièrement dans l’hôpital, le film aurait été bien fade. C’est en ce sens qu’il se rattrape un peu. Car le duo d’acteur Boon / Katerine ne fonctionne pas et c’est un peu bancal. Boon tire la couverture vers lui et Katerine est décevant. Comme je l’ai dit plus haut, Philippe Katerine ne me faisant ni chaud ni froid, je ne pouvais pas être surpris par son jeu d’acteur “mou” et sans relief.

L’humour : Je n’ai guerre ri qu’a de très rares occasions, laissant échapper un sourire de temps a autre. Les situations qui permettraient de faire rire le public sont mal placés.

Le film se laisse quand même regarder , c’est un bon divertissement, mais ne vous attendez pas au meilleur film avec Danny Boon.

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Cette critique sous forme de lettre ouverte peut contenir des spoilers. Ces spoilers contiennent des phrases inversées. Pour lire ces phrases inversées, vous pouvez vous rendre sur ce site et copier/coller le texte.

Au revoir Tenet et merci Christopher …Après m’être cassé la tête sur la première séance où je ne comprenais pas la deuxième partie du film, ma deuxième séance où j’ai enfin compris le concept de temporalité et à la troisième séance où j’ai pu découvrir de savoureux détails que je n’avais pas vu jusque-là.

Ton film Christopher, m’a hanté pendant une bonne semaine pendant laquelle je me suis posé des questions et ne cherchant qu’une chose : Le revoir. Le revoir pour essayer de comprendre et revoir ce que je n’avais pas vu la première fois. Comme un manque, comme quelque chose que je n’avais jamais vu de ma vie et qui demandait à être vu et revu. Comme si j’avais un besoin inexorable de replonger dans ton œuvre magnifique , revoir à nouveau ce monde que tu as construis. Pour combler les trous de mémoire qu’il m’arrivait d’avoir en fin de séance. Je n’y croyais pas : Christopher Nolan me laissait planté en fin de séance avec toutes ces questions qui restait sans réponses.

Tu ne le sais peut-être pas, mais je suis en grand fan de la SF et plus encore s’il est question de voyage dans le temps. De la machine à explorer le temps de George Pal, en passant par l’armée des douze singes, Déjà Vu, Retour Vers le futur, Quelque part dans le temps et bien d’autres. Chacun de ces films explore le voyage dans le temps mais de façon linéaire. A chaque fois, le personnage « fait un bon » dans le temps, se rendant d’une époque à une autre. Toi, tu explores une facette cachée des voyages à travers le temps et c’est ce qui est fort, transcendant et difficile à comprendre pour tout à chacun de nous car n’ayant jamais vu cela à l’écran. Cette façon de maitriser le temps et d’inverser le cours des évènements me laisse sans voix. C’est novateur et personne n’y avait pensé avant, du moins de façon aussi prononcée.

La première fois que j’ai vu un de tes films c’était en 2008 avec Batman affrontant le Joker. Excuse-moi, si je ne connaissais pas tes films avant Batman. Cela fut une révélation pour moi. Tu avais fait un film qui avait dépoussiéré le mythe de Batman, redonnant ses lettres de noblesse à la chauve-souris car loin des 2 films pastiches de Joel Schumacher qui au passage ont très mal vieilli. Que ce soit Michael Caine parfait et classe pour le rôle d’Alfred ou Christian Bale remplaçant impeccable de Michael Keaton dans le rôle de Batman, j’avais tout aimé du début à la fin. La trilogie Batman de Nolan a eu un impact de fort sur moi et je considère encore aujourd’hui que ce sont les meilleures trilogies sur les super-héros avec celle de Sam Raimi.

Et depuis ce temps, j’ai apprécié de plus en plus tes films, et ce n’est que dernièrement que j’ai compris ce qui t’animait : l’obsession du temps. Quand on y regarde de plus près à travers ta filmographie, le temps est présent à chaque fois que ce soit de façon visible à l’œil nu ou en sous-texte.

Mon film préféré est certainement Interstellar. Car il était question de voyage dans l’espace non seulement, mais aussi d’un homme qui espère bien revoir sa fille une fois de retour sur terre, mais au désespoir de ne pas pouvoir la voir grandir et de ne pas pouvoir partager des moments avec elle. Que d’émotions pour un film qui m’a fait pleurer a cause de l’éloignement d’un père et de sa fille. Sa mission de retrouver une planète vivable était pour la bonne cause bien mais à quel prix …

Après Dunkerque et Inception, je me demandais vers quoi tu te tournerais. En janvier, est arrivée la première bande annonce de Tenet et je me suis dit que cela allait être un film qu’il ne fallait pas louper car une fois de plus dans un genre que j’aime bien. Les premières images m’ont fait bouillir le cerveau. Qu’est-ce que tu allais raconter dans ce film ? Quel est donc Tenet ? Pourquoi les voitures se retournent et roulent à l’envers ? tu as su bien ménager ta première bande annonce, si mystérieuse, nous laissant dans l’expectative … Je donnais cher que ce jour arrive pour aller voir ton dernier film qui normalement devait sortir au mois de juillet pendant mes vacances. Une petite cerise sur le gâteau pour moi.

Et puis, il y a eu le confinement en mars en France. Tous les commerces étaient fermés jusqu’à nouvel ordre à l’exception des commerces de première nécessité. On ne pouvait plus se rassembler autour d’un verre, faire son footing, ou encore retrouver ses proches. Et le cinéma a fait partie de ces activités qui ont été laissé en suspension pour une durée indéterminée. Tous les professionnels du cinéma se sont interrogés sur la façon dont ils allaient tenir et quelles allaient être les retombées économiques pour eux. De nombreux films qui devaient sortir ont vu leur date de sorties reportées voir annulées pour arriver sur des plateformes de streaming pour limiter la casse. Cela a été le cas pour Forte avec Valérie Lemercier (une actrice très connue en France) qui est arrivé sur Amazon Prime. Ce qui a permis à certains de pouvoir apprécier quand même des films qu’ils auraient dû voir sur grand écran mais l’expérience cinéma n’est pas la même, et tu seras d’accord avec moi. J’ai commencé à douter de la sortie de ton film. Mais c’est sans compter en ta pugnacité et celle de ton partenaire distributeur Warner Bros en qui tu as confiance depuis de nombreuses années. Tu as su faire face et ne pas repousser trop longtemps ton film. Cela aurait dommage de ne pas le voir au cinéma, toi qui aimes le cinéma et fait tout pour que tes films soient vu sur grand écran.

Oui, je sais tu es quelqu’un qui filme à l’ancienne, sans effets spéciaux ou très peu (300 plans d’effets spéciaux seulement dans Tenet, chapeau l’artiste) et avec des cameras certes qui ont réduit de taille avec le temps mais sont encore encombrantes. Je veux bien sur parler de tes cameras Imax dont tu es l’un des rares à les utiliser.

Pour revenir au film, il est complexe mais enivrant.

Tes effets spéciaux sont admirables là où tu as essayé tant que possible à te rapprocher du réel sans devoir faire appel à des fonds verts. Mais comme tout le monde et toi le premier, tu dit dans les médias que tu chérissais tourner en Imax et tu es d’ailleurs un fervent défenseur de l’Imax. Mais tu y vas fort, utiliser près de 4800 km de pellicule pour tourner intégralement Tenet … tu es très fort !

Et tu repousses les limites de l’intelligence ce ceux qui viennent voir tes films. Mais une fois accoutumé au rythme effréné du film, on s’y habitue …après deux visionnages. Oui, car ce n’est pas facile de suivre la logique de ton film. J’aurais néanmoins aimé dans la première demi-heure qui ressemble à un film d’espionnage – On sait que tu aimes la franchise James bond -, j’aurais voulu que tu puisses ajouter des scènes de transitions entre les scènes où Le protagonistes se rend d’un endroit à un autre. Cela aurait été plus fluide à la compréhension car je dois avouer qu’il ne faut pas regarder ailleurs et se laisser distraire.

Tu as bien choisi tes acteurs. Le duo Pattinson / Washington est plutôt bon avec un John David Washington en pleine forme qui incarne un personnage très classe et sûr de lui dans un costume et une apparence décontractée à la James Bond façon Sean Connery. Les scènes d’action où il interagit comme dans la scène de la cuisine, font mouche. Tu as réussi à nous faire des scènes d’actions digne d’intérêt. Je dis cela car tu n’as jamais été à l’aise avec l’action, preuve avec Interstellar quand ils se battent sur une planète blanche et où tu as préféré nous faire un plan large nous montrant l’immensité du paysage, qui je l’avoue est un joli plan.

Quant à Pattinson, tu as su le diriger comme il faut, aujourd’hui je ne doute plus de sa performance d’acteur et je le vois très bien dans le prochain Batman de Matt Reeves en super-héros sombre.

J’ai entendu dire que ton film manquait d’émotions, qu’il était froid. C’est vrai que l’on n’en sait pas beaucoup sur les personnages et qu’ils manquent un peu de profondeur. D’ailleurs, pas mal de gens sur les réseaux sociaux ont imaginé des tas de Théories sur eux comme quoi titep tnaté lieN tiaté’uq tnafne’l tiares xaM. J’espère que tu nous sauras donner une réponse un jour.

Toujours pour parler d’acteur, tu as pris Elizabeth Debicki pour incarner Katherine. Là aussi certains disent qu’elle est froide. Mais je peux avancer une explication : ) ? monerp nu rennod iul ed eilbuo sa ut iouqruoP( etsinogatorp el ceva ertnocner al ne resilaer es ever nos riov ed riopse elbiaf nu ceva erapmesed te eessialed emmef ed noisserpxe ettec uo’D .slif nos ceva eriaf el ed eedi’l rennodnaba srola tuaf iul li ,eiv erporp as erviv te iul ed erebil erte tuev elle is euq euova iul te egatnahc ud tiaf iul rotaS ,ayoG ed ocsicnarF xuaf nu retehca tiaf riova iul ed esuccA .rotaS euqragilo’l iram-xe nos ceva euqixot noitaler enu a enirehtaK

Ahhh Michael Caine ! ton chouchou, celui que tu fais apparaitre dans tous tes films (ou presque), même dans Le Prestige que je recommande fortement à ceux qui me parlent de toi. Ils ne le connaissent pas tous, mais c’est un bon film. Et ce petit tacle de Mike dans le film Tenet, envers le protagoniste et sa tenue vestimentaire, un sacré moment. Même s’il n’apparait pas longtemps dans le film , Michael Caine reste toujours le petit clin d’œil à tes autres films.

Comme je le disais plutôt, le film est un vrai bijou visuel dans cette façon de filmer le temps inversé, de rendre l’impossible possible. C’est ce que je retiendrais en premier. Tes effets visuels prennent toutes leurs dimensions dans le dernier acte du film où cela va vite et jusqu’à aujourd’hui je n’ai pas encore bien compris l’importance de la scène dans son entièreté.

Un dernier point, la musique : Je l’ai trouvé assez éloigné des compositions que j’ai l’habitude d’entendre sur tes films. Certains dialogues comme dans le Port Franc sont inaudibles, et j’ai cru que cela était normal. Mais en voyant le film en VO, je me suis surpris à voir ces scenes avec des sous-titres . Je te rassure, tout les autres dialogues sont parfaitement compréhensibles. Dommage que Hans Zimmer est été pris pour la composition musicale du nouveau film de Denis Villeneuve : Dune. Tu as donc choisir Ludwig Göransson , connu pour ses compositions sur Creed II et la série The Mandolorian. Alors, oui c’est surprenant au premier visionnage, on a l’impression que la musique ne colle pas au film, qu’elle manque d’émotions, de moments reposants. C’est vraiment dommage mais on s’y habitue avec le temps.

Bref, pour finir , et malgré les gens qui ont dit que cela était ton plus mauvais film, je reste et te resterais fidèle dans ta façon de raconter le temps et ses dérivés. Je suis sûr qu’avec le temps et la sortie en DVD et Blu-ray, les gens sauront glorifier ton film si mal compris.

J’ai hâte de voir ton prochain film et voir ce que tu nous réserve.

Je te dis à bientôt et continue comme cela à écrire des histoires qui nous font réfléchir.

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Qui n’a jamais revu son album de famille ? qui n’a jamais tenté de retrouver des vieilles vidéos d’événements marquants de notre vie comme un mariage ou une naissance ?

Ces événements font partie intégrante de notre histoire qui, quand nous les regardons en tant qu’adulte, nous nous disons que c’était le bon temps, le temps de l’innocence, du premier baiser ….

En sortant de projection, je n’avais envie que d’une chose, rallumer mon ordinateur et revisionner les vieux films fait avec mon caméscope dont la qualité de vidéo est plus que discutable.

Play est un film qui parle d’une générations d’ados qui vont vivre de bons moments ensemble pendant presque 25 ans

Le film mélange fiction et réalisme parfaitement et nous rappelle à certains moments que nous avons vécu les mêmes choses, comme la coupe du monde 98 ou le passage à l’an 2000. Et je dois avouer qu’après 30 minutes de film, j’étais complétement transporté,me surprenant à rire des mêmes choses que les personnages sans trop savoir pourquoi(et alors que je ne les avaient pas vécu avec eux), tout simplement parce que je trouvais ces moments d’une grande sincérité.Mais j’ai eu aussi mes moments d’émotions, avec un final qui permet au personnage central de pouvoir rattraper le temps perdu.

Le film est généreux et tirera sur la corde de la nostalgie sans jamais trop en faire, avec de petits clins d’œil à une musique ou un film marquant. Il est aussi à noter que la mise en scène est très fidèle aux trois époques parcouru par le film,la camera faisant partie intégrante du film et sa qualité d’enregistrement grandissant avec le temps.

C’est un des meilleurs films français que j’ai vu depuis à peu prés La Famille Bélier,ce genre de film que l’on a envie de partager avec tout le monde comme je le fais ici, tellement il est riche en émotions.

Je vous recommande ce film qui vous redonnera la joie à la sortie de projection.

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“Ken Miles repoussait de plus en plus les limites de sa voiture dépassant maintenant les 6000 tours/ minutes. Il savait qu’il pouvait dépasser la voiture qui était devant lui sans aucune crainte. Mais la voiture résisterait-elle au comportement de son conducteur et surtout n’allait-elle pas exploser en vol ? c’était le parti fou que Miles tenait absolument à tenir pour cet homme passionné par la mécanique et le pilotage de bolides ,connaissant chaque recoin de la voiture qu’il était en train de conduire …

– « Allez Cocotte ….vas-y ma cocotte …je sais que tu peux le faire ….montre ce que tu as dans le ventre ! » répétait-il a sa voiture avec qui il parlait comme si lui et son bolide ne faisait qu’un.

Attention : Certains passages peuvent révéler une partie de l’histoire

Vous l’aurez sans doute compris, le film que je vais vous parler m’a beaucoup inspiré pour cette critique. Il faut dire aussi que quand j’étais petit, je regardais le dimanche après-midi dans le salon avec mon père les grand prix de formule 1. C’était à l’époque où Alain Prost était champion du monde. Et c’est ce qui me retenait assis dans le fauteuil c’était le fait de voir un Français rivaliser avec les grandes équipes, une fierté nationale pour moi.

Quelques années plus tard, je découvrais les premiers jeux vidéo sur les courses de voiture comme Vroom sur Atari ST. C’était tout simplement dingue, pouvoir se mettre à la place d’un pilote de formule 1, tout faire pour dépasser les concurrents et arriver premier, voir défiler les décors devant nous, et surtout surtout ce bruit de moteur inimitable propre aux voitures qui nous transcendait juste pour nous dire que nous étions assis dans un vrai bolide prêt à affronter toutes sortes de défis …. Un vrai régal tant pour les yeux que pour les oreilles. Un régal commun avec mon pére, qui je suspecte encore aujourd’hui de jouer à ce jeu video en cachette. Vroom a surement beaucoup compter pour mon père qui est un ancien mécanicien à la retraite aujourd’hui.

Encore un peu plus tard sur PC, j’ai découvert les jeux Need For Speed. Dans un autre registre , il fallait déjouer la police, changer de voiture et la perfectionner, arriver premier sur la ligne d’arrivée …. Un fantasme qui étais devenu réalité , tout du moins dans le virtuel.

Au niveau du cinéma, j’ai découvert les films sur le sujet des voitures sur le tard. A commencer par Michel Vaillant , un film qui nous parle un peu plus , puisque une partie du film se déroule sur le circuit du Mans comme ….Le Mans 66 (ou Ford VS Ferrari en VO). Il en résulte toujours un film dynamique et j’aime le

Et quand on parle de film à grand spectacle , je ne peux pas oublier de citer la saga Fast And Furious popularisé par le regretté Paul Walker , petit chouchou de ses dames. Bien que considéré pour certains comme étant des films des films « débiles » , je ne peux m’empêcher d’avoir ce plaisir coupable d’attendre à chaque fois le dernier de la saga sortir au cinéma, même si un film Fast And Furious sans Paul Walker, ce n’est plus vraiment un Fast And Furious. Mais ce n’est pas le sujet du jour.

Ce qui nous intéresse ici ,c’est le dernier film de James Mangold, celui là même qui a réalisé quelques années plus tôt Logan, que j’avais adoré et qui redonnait son blason d’or aux films X-men.

Et comme vous l’avez sans doute deviné , les films sur les voitures m’intéressent toujours. C’est donc avec un certain intérêt que je suis allé voir Le Mans 66. Et quand j’ai vu qui jouait dedans à travers la bande annonce, je ne pouvais qu’être satisfait du casting . Mat Damon et Christian Bale , deux célèbres acteurs qui n’est plus à présenter puisque l’un s’est fait connaitre avec la saga Jason Bourne et le deuxième qui à joué dans plusieurs films de Christopher Nolan comme la saga Batman ou encore The Prestige que je vous recommande.

Ce film est d’une telle richesse et générosité qu’une fois sortie de salles, je me suis précipité sur mon smartphone pour noter tous les détails et ne rien oublier de ce que j’avais vu. Car oui il y a beaucoup à raconter.

A commencer par une réalisation très soigné faite à l’ancienne sans que je n’ai vu le moindre CGI et même si il y en a, c’est vraiment avec parcimonie. Et c’est cela qui se voit au premier coup d’œil, de par les environnements ou encore les voitures, tout est réel et on en a pour son argent.

Je ferai une aparté justement à propos des prix des places de cinéma . Alors qu’aujourd’hui ces mêmes places tournent autour des 12 euros en métropole, il est toujours judicieux de choisir ce que l’on veut aller voir, et ce même si d’après une étude que j’ai vu il y a quelques temps seulement 15% des personnes paierait leurs places de cinéma plein tarif en France. Et ou on ne peut pas les plaindre tant les films qui sortent sont plus des films pour la plupart qui prennent les spectateurs par la main et ne rendent pas au hommage à leur intelligence

Et c’est là qu’est la force de ce film. Ressemblant plus à un film d’auteur de part sa qualité, on est happé par l’histoire des deux personnages incarné ici par Christian Bale et Mat Damon.

Les deux acteurs sont tout simplement parfait dans leur rôle. Bale se cachant derrière son personnage au point que l’on en oublie l’acteur. On connaissait déjà l’acteur pour ses transformations physiques et la manière de se fondre dans ses rôles, mais ici c’est bluffant.

Ce dernier joue ce père de famille qui a du mal à joindre les deux bouts avec son garage, qu’il finira par se faire saisir faute de rentrée d’argent. Quant à son épouse, elle reste toujours inquiète puisque ce dernier à bien du mal à raccrocher le volant et voudrait qu’il est un travail plus reposant pour elle. Et quand Carroll Shelby (incarné par Matt Damon) proposera à son mari de travailler pour lui, elle y verra un soulagement financier mais ayant peur qu’il pilote de nouveau dans ses voitures aux vitesses folles. Mais elle sera néanmoins fier de lui quand il commencera à gagner des courses.

Matt Damon joue quant à lui un ancien pilote qui devient constructeur en créant la Shelby American Ltd. Ferrari ayant rejeter les avances de rachat de Ford, Ford se rapprochera de Caroll Shelby pour qu’il construise une voiture afin de rivaliser Ferrari sur le bitume. C’est ainsi qu’il se rapprochera de Ken Miles pour tester et optimiser la voiture afin de la préparer pour les 24 heures du Mans. Le rôle de Caroll Shelby est tout aussi un personnage intéressant de part sa proximité avec Ken Miles et des rapports quelques fois tumultueux qu’ils auront.

Une sent une très bonne écriture des personnages avec leurs faiblesses et leurs forces, avec d’un coté des rapports quelques peu tumultueux entre Miles et Shelby, Shelby faisant tout son possible pour que son acolyte reste dans la course avec le risque de voir sa carrière tomber comme un château de cartes si il ne se plie pas aux exigences du patron de Ford.

Le film est aussi axé comme je le disais plus haut, sur la rivalité entre Ferrari qui à l’époque se targuait d’être le constructeur imbattable sur les circuits, et Ford ayant du mal à percer. La patron de Ford est dépeint comme un chef de file implacable et dur en affaires. De son coté, Ferrari est représenté par ses dirigeants un tantinet arrogants et l’on a qu’une chose en tête : les voir se faire renverser pour leur piquer la victoire. J’ai trouvé néanmoins le leader de Ford un peu caricatural dans son postulat de patron , mais c’est aussi pour mieux mettre en couleurs les caractères de ses deux constructeurs rivaux prêt à en découdre sur la piste.

Ma seconde impression sur le film en dehors des personnages et cette impression de vitesse lors des courses. Cela va vite et la camera est dynamique comme jamais. On jouit de ses plans serrés ou à l’intérieur des cockpits nous mettant à la première place, celle du chauffeur. J’ai souvent vibré dans mon fauteuil devant un changement de vitesse ou le vrombissement de moteurs déclenchant chez la plupart des hommes passionnés de mécanique un orgasme auditif.

Le film à de l’humour et c’est en grande parti grâce aux deux acteurs principaux qui ont su jouer sur la différence de caractère de leur personnage. On sent un vraie complicité entre les deux.En gros, c’est surtout eux qui portent le film.

Non , je n’ai rien à reprocher à ce film qui m’a pris aux tripes de bout en bout. Je pense que cela serait très sympathique de le voir dans une salle 4DX, ces fameuses salles ou les sièges bougent en fonction de l’action.

C’est donc pour terminer cette critique qui fait déjà trois pages sur Word, que je dirais que c’est surement un des plus beaux films que j’ai pu voir cette année et je vous recommande d’aller le voir juste après Joker dont j’avais promis de faire une critique et que j’ai oublié.

Et n’oubliez pas (comme le dit EA Games sur les jeux Need For Speed) , la vitesse c’est sur les circuits et non pas sur les routes, le plaisir n’en sera que décuplé avec cette sensation que personne ne viendra vous coller un procès pour excès de vitesse .

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Il n’empêche que ce réalisateur autodidacte à toujours eu une place dans mon cœur de cinéphile. Tout simplement parce que chaque film qu’il réalise est un petit bijou d’écriture.

Par manque d’impartialité, je n’ai pas pu écrire de critique à temps, mais Valentin Lebfevre, dit ValWho, a réussi à retranscrire à peu près l’effet que m’a fait Once Upon a Time In Hollywood a ma sortie de séance.

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C’est en sortant de salles avant le début du générique de fin que je me suis demandé dans quelle direction s’en va la comédie Française … Parce ce film est véritablement un one man show dont on a l’impression que les dialogues ont été confié a des acteurs comme Jamel Debouzze ou encore Kev Adams qui sont en roue libre, à sortir des blagues qui nous sortent du film constamment.

Un exemple par parmi d’autres : Eric Judor en remet une couche dans le film en nous expliquant dans une scène que si sa lampe magique est si facile à chauffer vu l’espace, que c’est parce qu’EDF lui a accordé des réductions sur les prix pour le remercier d’avoir fait des pubs pour l’entreprise … Voilà le type de dialogue typique que l’on retrouve dans le film, nous sortant complètement du contexte du film et nous réveille d’un cauchemar que l’on regarde sur grand écran.

Et des comme celles-là, il y en a quelques une gratinés, comme au début du film où le personnage de Kev Adams essaye de trouve le mot secret pour ouvrir la salle secrète, et que soudain il se souvient que c’est surement Instagram. Le film aurait pu se passer à n’importe quelle époque que cela aurait été pareil. En parlant d’époque, le 1er tiers du film est pas mal dans ce sens-là : On passe de l’époque de la découverte des Amériques (Gérard Depardieu reprenant son rôle de Christophe Colomb) , jusqu’à l’époque des mousquetaires. Il y a même une scène où Judor et Adams se téléportent en pleine tribu africaine et qui voit-on apparaitre ? Frédéric Lopez tel qu’il apparait dans son émission « Rendez-vous en terre inconnue » …. Des clins d’œil tel du méta humour mais bien lourdingue. Ahhhh j’oubliais : les deux rappeurs célèbres Big Flo et Oli casquette vissé à la tête … ce film n’a donc aucun respect pour son époque

Le scenario du film tient sur un ticket de métro, et tout autour vous avez de l’humour, humour qui ne fait rire que les gamines entre 5 et 10 ans …bon allons jusqu’à 14-15 ans pour les fans de Kev Adams. Kev Adams qui n’est pas à son premier essai loupé puisque l’on se rappelle de la polémique sur « le viol cool » dans Gangsterdam …

Il y a quelque chose qui m’intrigue …comment peut-on prendre les spectateurs pour des cons comme cela ? Comment les gens peuvent-ils payer à prix parfois fort (quoi qu’en France seulement 15% des gens payent leur place de cinéma plein tarif) pour aller voir un film aussi mauvais ? surement pas pour l’histoire mais je pense plutôt parce que leur acteur fétiche est dans le film. Mais quelle catastrophe pour cette jeune génération de spectateurs que d’aller des films qui ne respecte pas leur intelligence ….

Quand j’avais été voir le premier en avant-première, on avait beaucoup investi dans les lieux de tournage et les effets spéciaux qui admettons-le manquent cruellement dans le cinéma Français pour grand public. Alors je me disais qu’il y avait un espoir d’y voir une bonne comédie. Avec le recul et l’ambiance d’avant-première retombé, ce premier film sur Aladin reste moyen avec un humour bien franchouillard si je ne prenais pas le film au premier mais au 2eme voire 3eme degré.

Ici rien ne justifie un humour décalé à ce point. Mais on ne peut pas s’étonner quand on voit que c’est le même réalisateur qui a tourné un film que je n’ai même pas été voir : Les nouvelles aventures de Cendrillon. Ce dernier dont j’avais trouvé la bande annonce affligeante de par son humour trop décalé qui enfonce « la saga Aladin » dans la médiocrité.

N’allez pas voir ce film, c’est deux heures de perdu, deux heures de perdu et environ 7 euros que vous pouvait investir dans une bonne pizza, car oui le film ne vaut même pas une pizza

Bon …en attendant, je vais aller voir ce que qu’il y a de bien ce soir Alad2 ….

PS : elle était facile celle-là …

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Nombreux sont les films et documentaires qui parlent du plus célèbre des couples vivant à la maison blanche, je veux bien sur parler des Kennedy. On a tous en mémoire l’excellent JFK d’Oliver Stone, film / documentaire de prés de 3 heures qui nous mettait dans la peau du procureur de la Nouvelle Orléans, Jim Garrison (interprété avec panache par Kevin Costner), enquêtant sur la mort tragique du président sus-nommé.

Jackie aurait pu être la suite de JFK , car il ressemble par certains aspects à une documentaire mais n’en ai pas un.

Et Premier point important pour appuyer cette thèse, le format de l’image utilisé pour tourner le film, faisant penser au super 8 ,format de pellicule utilisé dans les années 60. Ce format est assez réduit par rapport aux formats utilisés plus récemment (2.35 ou encore le format 70 mm utilisé dans le dernier Tarantino, les 8 salopards).

Deuxième point, l’utilisation de filtres vidéo et de l’emploi du noir et blanc utilisés dans certaines scènes , nous faisant croire à des archives TV.

Troisième point, certaines scènes où l’on voit Lee Harvey Oswald (celui là même ayant nié avoir tiré sur le président) à la TV se faire abattre par un tireur isolé. Ces scènes diffusées à la TV sont les véritables archives de la TV américaine.

Avec tout cela, le film aurait pu s’en tirer si il avait été réalisé, par quelqu’un comme Oliver Stone . Malheureusement l’ensemble est un peu ennuyant , enlisant le public dans un mélodrame d’une heure quarante, à tel point que l’on se demande quand le supplice va s’arrêter.

Il n’y a pas a proprement parlé d’énergie dans ce film, et même si l’histoire de s’y prête pas vraiment, certains moments auraient gagné en perspective , en relief.

Pour se consoler, on pourra admirer le casting ressemblant d’assez prés au couple présidentiel, je pense notamment à l’acteur qui incarne JFK.

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Film presque produit entièrement par les chinois, la seule distinction que l’on puisse en faire avec le cinéma hollywoodien , c’est la présence de Matt Damon et le logo Universal en tout début de film qui est là pour justifier de la distribution du film aux states et en Europe.

Le film reprend une des légendes qui tournent sur la muraille de Chine.

On sent très nettement la culture chinoise pointer son nez dans le film à travers ses costumes et aussi la mise en scène, mais pas seulement.

Quelques influences à noter tout de même : Le seigneur des anneaux et World War Z et peut-être d’autres que je n’ai pas mentionné.

Le scénario n’a rien de très compliqué, si ce n’est dire un scénario de « ouf » ,mais on se laisse porter par l’histoire sans toutefois se poser mille questions à la fin de la projection.

Le film n’est qu’un gros blockbuster comme les autres,un peu fade à mon gout. Il reste néanmoins l’aspect visuel très réussi.

Donc pour résumer, à voir une fois pour les mordus d’Heroic Fantasy, les fans de Matt Damon, ceux qui aiment les effets spéciaux, et sans juger aucunement ceux qui aiment ce film.

Après tout, ce n’est qu’un avis personnel .

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Quelques minutes après minuit est un film qui traite de la difficulté pour un enfant de faire face à un événement unique et traumatisant, de la difficulté à poser des mots sur une douleur insurmontable.

Ce genre de situations, nous l’avons vécu ou nous le vivrons forcément un jour. Plus nous sommes aguerri de cette expérience de la vie, plus nous avons des « outils » pour faire face … Et c’est lors de l’enfance et l’adolescence que nous nous confrontons pour les premières fois à des situations comme celles de Conor O’Malley .

Le film touche pour sa poésie, pour sa dramaturgie et d’autres choses. Une très belle parabole de la vie et des traumas de l’enfance

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J’avais vu la bande annonce et je trouvais que les blagues n’étaient pas très recherchées. Au point d’être affligeant , se moquant de certains défauts comme la voix aiguë de moto biker . Blague et paris raté , cela aurait du être mené de façon plus subtil. Mais ce n’est pas la seule blague de ce genre.

On ne peux pas dire qu’à la première lecture de cette bande annonce que le personnage est muri entre les deux films. Certainement une écriture du film surfant sur la nostalgie du premier sans véritables innovations . Oui car le film aurait du être plus réfléchi , surtout quand on voit un grand guignol comme Jean Dujardin ayant pris de la bouteille et jouant encore le rôle d’un gamin de 12 ans dans un corps d’adulte de cinquante ans, c’est pas très crédible, cela fait faux et surtout cela bousille le film. On dirait tout simplement un neuneu .

Il a peut-être pris du plaisir de faire son film mais a pris son public pour une bande de décérébrés ne se respectant pas , croyant que les gens n’ont pas grandi entre les deux films.

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