Comme je l’avais déjà signalé sur le film le Mans 66, j’aime la vitesse, enfin surtout au cinéma. Cette impression de vitesse, le bruit des moteurs, la concentration de pilotes , la tension grandissante entre rivales. Tout ce que j’aime se retrouve sans doute pas mal de films de courses que j’ai déjà vu, la plupart étant américains. Mais qu’en est il des films français ? Michel Vaillant en tête , je ne peux malheureusement pas dire que le cinéma français soit très présent dans cette catégorie. L’objectif principalement du cinéma français étant ailleurs. Jusqu’à Rapide.

Je dois dire que je suis assez surpris du résultat. N’ayant pourtant pas l’étoffe d’un Ford vs Ferrari , Rapide arrive a contrôler son run pour nous montrer des images qui décoiffent : camera embarquée, utilisations des drones pour certains plans ou encore le bruit des vitesses , tout est là pour nous surprendre, jusqu’à la formule 3 qui roule à toute vitesse dans les villes, au point de frôler l’accident avec des citadines au coin d’un carrefour. Ça fonce et le réalisateur a l’expérience des belles images qui vont vite. Le sujet abordé est celui d’une jeune femme voulant faire sa place dans le mondes des sports automobiles quasiment monopolisé par des hommes.Le film nous rappelle via un Alban Lenoir survitaminée que, seulement 5 femmes ont concouru en formule 1. La dernière femme ayant tenté de participer étant Giovanna Amati en 1992.

Quant au personnage de Max, c’est une femme qui est née pour rouler à pleine vitesse , et n’aura qu’un rêve en tête : démontrer que les femmes n’ont pas dit leur dernier mot. L’interprète qui joue le rôle principale (Paola Locatelli) est pétillante et pleine de vie , prêt à en découdre avec les préjugés. Tout cela donne de la pêche au film, même si tout n’est pas rose et bien maitrisé pour rapide.

On adore le jeu des deux acteurs principaux, le passage de Tchéky Karyo dans le rôle du père de Stanislas . Mais tout ceci pourrait être entaché par un film au scénario un peu prévisible. Mais il est vrai qu’il est difficile de faire plus original que deux personnes se regardant dans le blanc des yeux pour savoir qui va être le meilleur sur un piste de course

Bien que le film démontre l’ambition évidente du réalisateur sur les scènes de course, le scénario souffre d’un manque de finesse, particulièrement dans sa première partie. La relation romantique esquissée entre les deux rivaux, rapidement abandonnée par la suite, aurait mérité soit un développement plus approfondi, soit d’être complètement supprimée de l’intrigue.

En définitive, cette œuvre représente une véritable prouesse dans le paysage cinématographique français, où ce genre est particulièrement rare. Il convient de passer outre ses quelques imperfections, car l’ensemble du film mérite amplement le détour.

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Depuis quelques temps, il y a quelque chose qui ne fonctionne plus dans les films de Ridley Scott. Après avoir été voir Gladiator 2 avec une amie, nous avons été du même avis : Gladiator 2 n’a pas hérité grand-chose de son ainé et ne renouvelle pas le genre.

En ce qui me concerne, quand j’avais entendu parler du projet d’une suite à Gladiator mais j’étais un peu dépité. Gladiator n’avait pas forcément besoin d’une suite car la fin était suffisante. Mais si on connait un peu Hollywood, on n’est guère étonné de voir ressortir des placards des scenarios qui avaient été laissé à l’abandon pour en faire des suites. Ce projet de Gladiator 2 me semblait avoir le parfum de déjà vu rien que par son titre. Dans d’autres termes, cela sentait le sapin.

Avant d’analyser le film, je tenais à préciser que je n’ai pas récemment revisité le film original. Mon approche est délibérée : mes expériences précédentes m’ont appris que revoir un premier opus avant sa suite peut souvent conduire à une déception. J’ai donc choisi de découvrir Gladiator 2 avec un regard neutre et ouvert, sans a priori ni comparaison immédiate.

A la sortie de la projection, il y avait un parfum de déception qui flottait dans l’air. Je ne dirais pas que nous avons détesté le film, mais il manquait quelque chose qui puisse laisser le spectateur en émoi à la fin de la projection. Certes, le spectacle est garanti grâce aux nombreuses batailles qui se déroule dans l’arène, notamment la naumachie.

Les décors manquent singulièrement de variété, le film se concentrant principalement dans l’arène qui occupe près des deux tiers du temps à l’écran. Cette limitation spatiale crée une sensation de confinement, ce qui pourrait laisser penser à des contraintes budgétaires. Pourtant, avec un budget estimé entre 250 à 310 millions de dollars, Ridley Scott disposait des moyens nécessaires pour développer une mise en scène plus ambitieuse.Mais je reviendrais sur le detail de la production plus tard.

Concernant les choix des acteurs principaux comme Denzel Washington, Pedro Pascal ou encore Connie Nielson qui reprend le rôle de Lucilla, leur présence n’est pas à remettre en jeu. Denzel Washington livre une performance magistrale dans le rôle de Macrinus, incarnant avec force l’ambition dévorante d’un ancien esclave déterminé à s’élever dans la société romaine. Sa présence charismatique et son interprétation intense éclipsent celle de Paul Mescal, pourtant protagoniste principal dans le rôle de Lucius Verus.

Mais cela est surtout l’écriture de certains personnages qui est faible. Comme depuis quelques films, Ridley Scott oublie de mettre de l’épaisseur dans les personnages secondaires comme celui de Arishat, l’épouse de Lucius, interprété par L’actrice Yuval Gonen. Son personnage a une présence limitée dans le film, n’apparaissant que brièvement dans deux scènes, ce qui ne permet pas au public de développer un véritable attachement émotionnel à son égard.

Mais si les performances des acteurs principaux contribuent au charisme du film, tout n’est pas parfait. Certaines situations et dialogues manquent de naturel et semblent artificiellement intégrés à l’histoire, nuisant à l’œuvre. En exemple, les scènes entre Lucius et Lucilla souffrant parfois d’incohérences narratives. Je pense qu’il aurait fallu moins de combats et retravailler les scènes pour qu’elles soient mieux liées entre elles.

Cependant, Il reste au film des atouts. Les effets visuels sont réussis à certains moments comme l’apparition du rhinocéros dans l’arène, même si la présence du rhinocéros dans l’arène de combat est discutable . Quand aux scènes de naumachie dans les arènes que je pensais historiquement inexacte,ils ont bien existé. D’après les historiens, ces naumachies comme ils sont appelés étaient présentes même si cela restait rares à cause de leur cout, et n’étaient envisageables que pour certaines arènes adaptées pour l’occasion.

Gladiator 2 aura été marqué par des difficultés de production, avec un tournage s’étendant de juin 2023 à début 2024, en grande partie à cause de la grève des acteurs. Le script a eu du mal à voir le jour, avec des premiers jets dès 2000, mais aucune version n’était satisfaisante. Trois scénaristes se sont succédé entre 2000 et 2018, et bien que Nick Cave ait proposé une version audacieuse en 2006, elle a été écartée pour son caractère trop radical. De nombreuses réécritures et des éléments internes et externes ont contribué à faire de ce film un projet désordonné, qui n’a pas été maîtrisé de bout en bout.

En conclusion, je dirais que Gladiator 2 est un film qui offre un spectacle visuel impressionnant et bénéficie de performances solides de ses acteurs principaux. Cependant, il ne parvient pas à capturer l’essence et l’impact de son prédécesseur. Le manque d’innovation, les problèmes d’écriture et les contraintes de production ont conduit à un film qui, bien que divertissant, ne satisfait pas pleinement les attentes. Il reste un grand divertissement pour ceux qui recherchent l’action et le spectacle, mais les amateurs du premier opus pourraient ressentir une certaine déception face à l’absence de profondeur narrative et de développement de personnages.

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Il y a des films qui vous font l’effet d’une expérience cinématographique unique, qui vous propose une autre lecture d’un phénomène sociétal bien connue : le culte du corps. Le nouveau film de Coralie Fargeat, offre cette vision singulière et dérangeante à la fois.

À travers une expérience cinématographique saisissante, la réalisatrice déconstruit notre obsession collective pour la perfection physique et propose un regard inédit sur ce phénomène sociétal. Son approche visuelle unique transforme un sujet familier en une œuvre qui bouleverse nos perceptions habituelles, en utilisant le prisme de l’industrie du fitness des années 80 comme miroir de nos sociétés contemporaines.

Les séquences d’aérobic sont filmées avec parfois des gros plans sur certaines parties du corps de Sue, montrant à quel point le corps est superbe. D’ailleurs ces plans font penser à des publicités pour des parfums car la camera tourne autour de l’actrice avec une esthétique léchée. La réalisatrice utilise habilement une bande sonore électronique pulsante pour accompagner ces plans rapprochés , créant une atmosphère à la fois glamour et légèrement inquiétante.

Le leitmotiv « la meilleure version de soi-même » qui résonne tout au long du film comme un mantra toxique, est aussi utilisé dans la vie courante chez certains coachs de vie pour indiquer à leur clients que vous devez être parfaite pour réussir dans la vie. Parfaire dans l’excellence, avec pour objectif le culte de la beauté comme seul critère de réussite. C’est d’ailleurs assez bien montré dans le film à travers le personnage de Dennis Quaid qui cherche à renouveler la principale présentatrice d’une émission d’Aérobic, la trouvant trop âgé.

À 61 ans, Demi Moore livre une performance physique et émotionnelle intense, questionnant avec courage les standards de beauté imposés aux femmes dans l’industrie du divertissement.

Le film s’inscrit progressivement dans la tradition du body horror, le style préférée de David Cronenberg. La transformation physique de Lou, d’abord subtile puis de plus en plus dérangeante, illustre les dangers d’une société poussant les femmes à des extrêmes pour maintenir une apparence de jeunesse éternelle.

La durée excessive de 2h25 constitue le point faible majeur du film. Si l’ensemble est maîtrisé , il y a une ou deux scènes sur la fin du film qui auraient pu être coupé du montage. La séquence finale, quant à elle, se révèle particulièrement évocatrice : elle dépeint avec justesse notre effacement progressif dans une société où la visibilité est éphémère.

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Ce moment marque le début d’une passion dévorante qui allait façonner toute sa vie. Dès lors, Patrice Girod commence à collectionner tout ce qui touche à Star Wars : affiches, figurines, magazines, devenant peu à peu un véritable expert de cet univers.

Dés 1990, il créé sa propre société d’édition Courleciel, du nom donné à Luke Skywalker dans le générique original du film de 1977 (Mauvaise traduction qui sera corrigée par la suite dans les autres versions)

Cette société éditera le Lucasfilm Magazine, le magazine officiel de Star Wars en France. Pendant plus de 15 ans, il dirigera la publication de ce magazine ainsi que d’autres titres liés à la science-fiction et aux séries télévisées populaires.

Au fil des années,Patrice Girod a développé des relations privilégiées avec Lucasfilm Ltd., assistant aux tournages des épisodes I à III de Star Wars et rencontrant George Lucas à plusieurs reprises. Il a même eu l’opportunité d’être figurant dans La Menace Fantôme. En plus de son travail d’éditeur, Patrice Girod a organisé des conventions officielles Star Wars en France et a contribué à l’exposition Star Wars à la Cité des Sciences et de l’Industrie de Paris. Aujourd’hui, Patrice Girod occupe le poste de Directeur des expositions et des collections pour ScienceFictionArchives.com et StarfixMuseum. 

Monstres et héros du cinéma

Récemment, j’ai pu découvrir qu’il y avait une exposition à la Galerie Saint-Jacques à Saint-Quentin. Cette exposition itinérante est organisée par le Starfix Cinéma & Pop Culture Muséum et présente une collection de pièces originales , notamment des costumes, maquettes, décors, affiches et autres objets mythiques issues de films comme Star Wars , Indiana Jones, Stargate , mais aussi des films issus de la franchise des Alien et des films de Luc Besson.

C’est ainsi que part un jour de vacances, je suis parti en direction de la ville de Saint-Quentin, ville dans laquelle je n’avais pas mis les pieds depuis presque 30 ans. Saint-Quentin est une ville riche par son patrimoine culturel, et à découvrir rien que pour sa Basilique, le parc D’Isle ou encore le pont Jacques Chirac.

Une fois sur place, la galerie présente une impressionnante collection d’une quarantaine de costumes, objets et maquettes provenant d’une vingtaine de films. Tous les costumes sont authentiques et ont été utilisés, de près ou de loin, dans la production de ces œuvres cinématographiques. On ne peut qu’admirer l’attention portée à ces pièces, qui sont dans un état exceptionnel.

En tant que passionné de science-fiction, je suis particulièrement émerveillé par ces costumes qui éveillent notre imagination. Bien qu’il soit interdit de les toucher, on peut apprécier les détails minutieux qui ne sont pas toujours visibles à l’écran. Et concernant les maquettes comme celle représentant une partie du village Minimoys rien  n’ai laissé au hasard .

Chaque pièce à droit à son descriptif sur une pancarte, descriptif qui retrace l’histoire du costume et sa place dans le film.

Il vous faudra à peu près une heure de visite pour tout explorer, et cela pour une modique somme d’une pièce de deux euros seulement. A découvrir jusqu’au 3 novembre.

Costume d’Indiana Jones

Costume de Thug

Costume de Leeloo

Costume pour les Mondoshawan

Costume de Dark Vador

Costume de Dark Maul

Costume du jeune Anakin Skywalker

Costume de Ray Ferrier

Costume original Maraputaï

perdu_dans_lespace

Costume de Ben Richards

Costume de Guinan

Costume de Qwark

 

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Ishana Shyamalan est une réalisatrice dont le nom de famille ne vous est surement pas inconnu. En effet, Ishana Shyamalan est la fille du maitre du twist : M. Night Shyamalan.

Pour ceux qui ne saurait toujours pas de qui il s’agit, il est entre autres l’auteur des films Sixième Sens, Incassable, Signes et plus récemment Split.

Premier film de la réalisatrice, Les guetteurs nous emmènent dans les forêts de l’Irlande où se déroulent d’étranges phénomènes. Nous suivons Mina, une Américaine travaillant dans une animalerie, qui va devoir faire un déplacement pour livrer un oiseau précieux. Mais sur sa route, sa voiture va tomber en panne en pleine forêt. Complément perdue, elle trouvera refuge dans un bunker où y vivent trois personnes. A la tombée de la nuit, les protagonistes vont devoir suivre un rituel pour survivre.

Le film en lui-même ne m’aurait certainement pas accroché puisque faisant partie du genre de films que je vais voir rarement : Les films d’horreur. Mais quand j’ai appris que c’était la fille du célèbre réalisateur qui l’avait réalisé, cela a piqué ma curiosité.

La plupart des premiers films de réalisateurs sont un risque pour eux car ils doivent prouver leur capacité à faire des films et trouver leur style. Mais Ishana Shyamalan a surement baigné durant sa jeunesse dans les films de son père car son style s’en rapproche.

Les Guetteurs est exécuté de façon brillante pour une réalisatrice qui est pour la première fois derrière une caméra avec un style qui mélange horreur, fantastique, mythes et légendes. Tous ces styles s’enchevêtrent harmonieusement.

Le lieu de l’action se passe dans une forêt obscure qui à la tombée de la nuit, devient vivante. Dans ce style, cela pourrait se rapprocher du projet Blairwitch car la camera ne montre quasiment jamais l’origine des bruits ambiants, laissant le spectateur à sa propre interprétation.

La peur du noir ou encore appelé nyctophobie, nous y avons tous été confronté étant plus jeune. La peur de l’inconnu, la peur de ne pas comprendre ce qu’il se passe devant nous, quand nos yeux ne voient rien et que seuls nos oreilles peuvent interpréter ce qu’il se passe. Voilà tout l’enjeu de ce film qui dans sa première partie joue avec nos sens.

Un autre point commun avec le cinéma de M. Night Shyamalan est l’impression de légère étrangeté des propos des trois protagonistes qui viennent accueillir Mina dans leur Bunker. Accompagnée d’une ambiance angoissante et oppressante, les questions que se posent Mina trouveront leurs réponses de façons naturelles sans que l’on soit perdu dans les explications. Sur ce point, Les guetteurs surpasse Hypnotic , film réalisé par le complice de Quentin Tarantino, Robert Rodriguez.

Comme tout film d’horreur qui se respecte, il y a forcément des moments où le spectateur sursaute au moment des jumpscares. Si pour moi, cette technique ne me fait plus peur car je la trouve bien souvent prévisible, je trouve qu’Ishana Shyamalan innove dans sa façon de saisir l’effroi. Dans ce film, ce ne sont plus des plans resserrés sur un visage meurtri. Elle se sert de la nature, des animaux ou encore de l’environnement pour nous effrayer. Tout comme les silhouettes anamorphiques que l’on voit s’approcher petit à petit.

Nul sans doute que les CGI ont dû être utilisés sur certaines scènes, car les mouvements des créatures sont proie au doute. Mais à ne pas s’y tromper, cela peut être aussi bien des effets pratiques et déguisements comme dans le film Le Dernier voyage Du Demeter, où le vampire n’était rien d’autre qu’un acteur filiforme maquillé.

Dans le rôle principal, on retrouvera Dakota Fanning que l’on put apercevoir dans l’interprétation magistrale de cette jeune fille dans le film La guerre des mondes. Mais Ishana Shyamalan s’est aussi entouré d’actrices chevronnées pour son film, puisqu’Olwen Fouéré (The Northman) et Georgina Compbell (Black Mirror, Bird Box : Barcelona) font partie du casting. Dans l’ensemble, les acteurs sont bien dirigés et l’écriture des personnages aident à leur interprétation.

Le film avance dans l’intrigue de façon régulière et le film n’est jamais trop long. Les mystères sur cette foret se dévoilent peu à peu et donne matière et rythme au film qui se laisse regarder sans jamais se lasser.

La BO du film est bien accordée avec des violons et chants lyriques qui viennent accentuer les scènes dramatiques et angoissantes. Cela fait penser d’autant plus à l’Ecosse.

Il y aurait juste une chose à reprocher au film, c’est le moment où les choses vont basculer : La voiture qui tombe en panne. La scène est un peu convenue et tombe un peu comme un cheveu dans la soupe. On ne sait pas vraiment comment et pourquoi elle tombe en panne sans qu’il y est un phénomène pour l’expliquer. Mais cela dit, la scène est rapide et on passe à autre chose.

Pour un premier film, c’est très réussi de la part d’une jeune réalisatrice. Il faudra la suivre de près car elle peut nous réserver quelques surprises dans le futur.

Et une chose en entrainant une autre, Night Shyamalan sortira son prochain film au mois d’aout sous le nom de Trap, dont la bande annonce semble nous présager du meilleur.

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Génése

Il ne m’aura fallu que 3 soirées pour regarder l’entièreté de la série The Tick. La série est composée d’une première saison de 12 épisodes et d’une seconde de 10 épisodes (25mn en moyenne par épisode), cette série nous plonge dans un univers de super-héros tous plus loufoques les uns que les autres. The tick raconte l’histoire d’Arthur, un comptable outsider qui se rend compte que sa ville est entre les mains d’un super vilain, La Terreur, qu’il croyait mort depuis longtemps. Pour combattre The Terror, Arthur va s’allier malgré lui à un super héros du nom de The Tick, pour le pire et le meilleur.

Histoire de la série

Ce super héros dont je ne connaissais rien n’est pas apparu avec Amazon Prime, puisque le héros aux collants bleus date des années 80. Créé en 1986 par le dessinateur Ben Edlund, The Tick est inspiré des comics de super-héros des années 1960, avec leurs personnages caricaturaux et leurs situations absurdes. Inspiré, Ben Edlund en fera un héros naïf, innocent et maladroit, qui croit au bien et à la justice. Quelques années plus tard, l’auteur décide de développer le personnage dans une série de comics dès 1987.  

En 1994, c’est au tour du petit écran de prendre possession de la tique dans un dessin animé diffusé sur la Fox. La série animée sera un succès critique et commercial. Elle aura droit à 3 saisons pour un total de 36 épisodes.

C’est en 2001 que The Tick reviendra sous forme d’une série télévisée avec dans les rôles principaux Patrick Warburton (Les Désastreuses aventures des orphelins Baudelaire, Malcom et Code Quantum) et David Burke (Nashville, Chuck et Bones). On y retrouvera aussi le patron d’Arthur, incarné ici par Christopher Loyd (Retour vers le futur). C’est dans cette série que Ben Edlund introduira le personnage d’Arthur Everest, comptable maladroit et timide qui deviendra le comparse de la tique. Le créateur de la série voulait être le plus fidèle du comic book. Mais malgré les bonnes intentions de Ben Edlund et avis positifs, la série aura eu du mal à trouver son public en outre-atlantique et elle s’arrêtera au bout de 9 épisodes.

Amazon prime

Cherchant pendant plusieurs années une solution pour faire renaitre The Tick, Ben Edlund se rapproche d’Amazon Prime. Il y voit une opportunité car les super-héros au cinéma sont en plein essor. Cela a créé une demande pour des séries originales sur ce thème. “The Tick” s’est avéré être un choix judicieux pour répondre à cette demande.

The Tick arrivera sur Amazon Prime qui est le diffuseur et producteur avec Sony Pictures. On y retrouve dans le rôle de The Tick Peter Serafinowicz, et dans le rôle d’Arthur Griffin Newman.

Ce que j’en pense

Quand j’ai vu les premiers épisodes de la série sur Amazon Prime, je croyais à une mauvaise blague. Avec son humour à la Hero Corp, au style et costumes kitch, la série semble au premier abord une tentative raté de surfer sur la vague des super héros. Mais après quelques épisodes, on reste scotché au fauteuil pour suivre les pérégrinations de nos deux héros. On ne sait pas vraiment pourquoi, on a l’impression d’une série développée par des fans mais au budget confortable quand on voit les costumes sophistiqués. Les antagonistes sont plus dans la caricature qu’autre chose et pourtant on se laisse emporter.  Mais si l’on regarde de plus près, on peut s’apercevoir que cette série est la plus aboutie de toutes les adaptations, et parfaitement en raccord avec son époque.

Si la première saison est basée beaucoup sur l’humour un peu lourd par moments, la fin de la première saison s’engage dans une direction plutôt plaisante. Cela viendra se confirmer dans la deuxième saison avec une intrigue un peu mieux ficelée et un humour mieux dosé. La fin de saison 2 étant ouverte, je pense qu’il était prévu qu’elle revienne pour une troisième saison. Mais le créateur, Ben Edlund, viendra annoncer sur Twitter en mai 2016, que la série en restera là :  

« Je suis désolé de dire qu’Amazon a choisi de ne pas poursuivre @TheTickTV. Je ne suis pas désolé de dire que j’aime cette série, son casting, son histoire et son message. Destiny exige que mes compatriotes et moi cherchions désormais un nouveau foyer pour cette série. » 

Si Ben Edlund ne précise pas les motivations d’Amazon d’arrêter la production, on peut néanmoins avoir quelques pistes : La série chère à produire (50 millions de dollars la première saison), Amazon a considéré à la vue des audiences, qu’elle ne serait pas rentable sur le long terme. 

C’est dommage car la série avait reçu de nombreuses nominations aux Emmy Awards en 2019 : Une pour la coordination des cascades managé par Chris Centiempo, et une autre pour le thème principal. Depuis l’arrêt de la série, Ben Edlund recherche des solutions pour faire perdurer sa création. En 2023, le créateur de The Tick avait publié un roman qui avait été salué par les fans pour son humour et son action. 

Avec une saison 1 énervante pour son humour omniprésent au dépend de l’intrigue, la série a réussi à redresser la barre dans la saison 2 pour finir en apothéose avec un dernier épisode qui nous laisse sur notre faim. 

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Personne ne peut ignorer – surtout en France – l’impact d’Henri Grouès , plus connu sous le nom de l’abbé Pierre sur l’histoire de France. Personne ne peut l’oublier car c’est lui qui créera Emmaüs avec Lucie Coutaz, après s’être défendu bec et ongles pour avoir les ressources nécessaires pour accueillir les sans-abris durant l’hiver 1954. Un hiver des plus meurtriers, car pendant 3 semaines, la température sera rude avec un ressenti à -30°. Cet homme, d’une extrême empathie, n’était jamais satisfait de ce qu’il accomplissait.

L’abbé Pierre : Une vie de combats raconte la vie de cet homme d’église depuis le temps où il dut quitter les Capucins jusqu’à sa mort en 2012. C’est donc sa vie entière qui est retracé en 2h18.

J’ai vu le film pour la deuxième fois, pour mon plus grand bonheur. Je n’avais pas vu le premier biopic sorti en 1989, avec Lambert Wilson dans le rôle titre. . Mais d’après la bande annonce d’Hiver 54, je ne peux dire qu’une chose : la performance d’acteur de Benjamin Lavernhe est absolument magnifique et surpasse de loin le jeu de Lambert Wilson qui peine à être charismatique.

Benjamin Lavernhe est un acteur que j’ai découvert la première fois dans le goût des merveilles et qui m’avait déjà surpris en son temps. Ce film, dans lequel il donnait la réplique à Virginie Efira, traitait du syndrome d’asperger.

Quant au biopic de Frederic Tellier, la direction d’acteur et le maquillage ajoutent au personnage principal une authenticité au point que l’on ne voit plus l’acteur derrière le masque. Le ton de la voix, les gestes et la démarche sont des trompe-l’œil pour le spectateur.

Au niveau de la photo, rien ne dépasse et chaque plan est choisi pour une bonne raison. le film a une dimension contemplative : la caméra fixe certains objets et décors pendant plusieurs secondes en silence comme si le temps était suspendu. C’est tout au long du film que l’on pourra observer ce procédé qui ne le plombe aucunement, mais au contraire nous permettra de faire une pause dans les combats de cet homme d’église. D’ailleurs Le premier plan du film nous indique où le long-métrage va nous embarquer : On y voit une très belle nuit étoilée, avec en fond une montagne sur laquelle un homme se dresse et regarde au loin. La lune éclaire à peine son visage et une voix off bien connue nous parle des préoccupations de l’Abbé Pierre. Cette scène magnifique – ainsi que le dernier plan du film – est filmé de façon gracieuse et paisible. La qualité de la mise en scène nous fait ressentir la fascination du réalisateur pour son personnage principal, incarné par Benjamin Lavernhe qui l’interprète de façon magistrale .

Toutes ces remarques positives me conduisent à penser que le cinéma français est loin d’avoir dit son dernier mot et que certains réalisateurs savent prendre des risques, alors que certains blockbusters américains n’arrivent pas à se réinventer.

En somme,le film de Frederic Tellier est pour moi un vibrant hommage à son acteur principal qui se surpasse.

Sources

• Météo hiver 54
• Journal 20h
• Appel du 1 février 54
• Conférence de presse
• L’archive préférée de Benjamin Lavernhe sur l’Abbé Pierre

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Sortie le 8 décembre 2023 sur Netflix, Le monde après nous est adapté du roman éponyme de Rumaan Alamest.

Le film est réalisé par Sam Esmail qui travailla sur la série Mr Robot qui avait encensé la toile. Le film nous raconte l’histoire d’un couple ayant envie de faire une pause, décide de louer un maison le temps d’un weekend. Mais une fois sur place, des évènements étranges vont arriver les uns derrière les autres. Ce film réunit des acteurs connus comme Julia Roberts, Ethan Hawke, ou encore Kevin Bacon en second rôle.

Le film fait penser au style Night Shymalan dans le sens où il conjugue subjectivité et évènements étranges se succédant sans aucun lien apparent. L’un de ces films étaient Phénomènes. Night Shyamalan jouait alors sur ambiguïté des situations pour perdre le spectateur et le mettre sur une fausse piste. Mais Le Monde après nous fait aussi penser à un autre film de du maitre du suspense : Signes qui réinventait le film de science-fiction et d’invasions extra-terrestres en se focalisant sur la peur des protagonistes face à une situation qui les dépassait. ambiance anxiogène est l’une des particularités apprécié du film.

Dans le monde après nous, les personnages principaux se sentent tout autant déstabilisés par une situation qui n’a rien de commune. La famille Standford n’a plus d’accès au réseau de communication : Internet et téléphones fixe et mobile ne répondent plus, et donc, ne peuvent pas donc plus contacter personne. Même la radio hertzienne ne fonctionne plus et il est donc impossible d’avoir de nouvelles de l’extérieur. Quelque chose ne va pas et c’est inquiétant. Les propriétaires viendront renforcer cette thèse en venant voir leurs locataires pour essayer de leur faire comprendre qu’ils sont mieux et en sécurité dans cette maison. Ce qui ajoutera encore un peu plus de mystères et d’interrogations sur ce qu’il se passe autour d’eux.

J’ai bien apprécié le film car plusieurs thèmes sont abordés. La dépendance aux technologies, la solidarité mais aussi l’instinct de survie. Deux personnages reflètent bien l’un des aspects du film : l’angoisse et la paranoïa. Amanda Standford (Julia Roberts) et Ruth Scott (Myha’la Herrold) sont ici dépeint dans le film comme des personnes se méfiant des apparences.

Le film n’est pas non plus simplement un film catastrophe (s’il peut être qualifié ainsi). Il nous explique que dans de tels cas, il est important de se rassembler pour ne pas sombrer dans le chaos et la panique face à un situation qui nous dépasse. De pouvoir se faire confiance car la société nous impose de rester sur nos gardes et ne faire confiance qu’en soi. Jusqu’à aller dans une paranoïa chez certaines personnes. C’est la force de ce film qui ne fait pas la part belle aux explosions comme dans les films de Roland Emmerich. Ici, tout passe par la psychologie des personnages.

La dépendance aux technologies est aussi abordé dans ce film qui nous montre que nous ne savons plus nous en passer. Comment pouvons-nous alors réagir en conséquences si nous n’avons plus moyen de prendre de nouvelles du monde extérieur ?

Le film a été produit par Higher Ground, une société de production fondée par Barack et Michelle Obama. Barack Obama qui avait déjà produit des documentaires animaliers pour Netflix. Si l’ancien président a su insuffler sa vision des choses pour le film, j’aurais quand même une remarque a faire sur la fin du film : Elle nous laisse sur notre faim et aurait pu avoir une fin plus développée. Mais néanmoins quelques petits défauts, le film reste au-dessus de la plupart des productions Netflix. A regarder donc.

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Avant-propos

La plupart des biopics au cinéma racontent une période de l’histoire.  Ce genre de films aiment annoncer que le film est « inspiré d’une histoire vraie ». S’il y eu un vécu, il y a logiquement des témoignages et de la documentation sur le sujet.

Je vais donc faire un peu d’histoire sur la conquête de l’Amérique, où beaucoup ont souffert de ces colonisations et parler de leur transposition au cinéma. Mais si vous préférez passer directement à la critique, vous pouvez vous rendre directement ici pour avoir mon mon avis.

La triste histoire des Amérindiens

Dans notre enfance, nous avons tous eu des cours d’histoire durant notre période scolaire. Des cours dans les grandes lignes qui demandaient d’aller au-delà des apparences afin que nous puissions nous plonger dans les livres.

De mon vécu, plus les années passent, plus les cours que j’ai eu s’évaporent avec le temps pour ne retenir que l’essentiel. Cela ne veut pas dire pour autant que ma mémoire fait défaut. Mais parce que le professeur d’histoire que j’ai eu ne pouvait ou ne voulait pas donner trop de détails. Certaines périodes de l’histoire étant assez sombres, elles ne sont pas évoquées à des enfants âgés entre 8 et 14 ans.

Il y a eu dans l’histoire des événements majeurs qui ont encore des répercussions aujourd’hui. La période de l’histoire qui nous intéresse ici et celle de l’Amérique qui s’est fondée sur des désastres humains.

Lorsque Christophe Colomb croit avoir trouvé les Indes, il ne se doute pas encore que sa découverte viendra provoquer des guerres pour la domination du territoire, des épices et de l’or (entre 15eme et 16eme siècle). Les conquistadors attirés par l’or, firent des millions de victimes notamment avec la conquête du Mexique et de l’empire Inca.

Entre le 17eme et 18eme siècle, il y aura une expansion des colonies européennes en Amérique du Nord, Centrale et du Sud. Plusieurs pays s’ajouteront à l’Espagne et le Portugal : La France, L’Angleterre, Les Pays Bas et la Suède. Les grandes puissances Européennes se concurrenceront pour le contrôle des ressources naturelles et les marchés de l’Amérique.

C’est au 18eme siècle qu’il y aura une véritable lutte pour l’indépendance des colonies américaines. Les États-Unis d’Amérique, le Mexique, l’Amérique centrale et l’Amérique du Sud l’obtiendront au 19eme siècle.

La colonisation des Amériques par l’Europe ayant apporté avec elle maladies, technologies et cultures différentes aura un impact profond sur les populations autochtones,

En ce qui concerne les Amérindiens de l’Amérique du Nord, 3 guerres furent particulièrement meurtrières :

• La guerre du roi Philip (Nouvelle-Angleterre) entre 1675 et 1676
• La Guerre des Yamasees (1715-1716)
• la Guerre de Pontiac (1763-1766)

Pour en savoir plus sur ces guerres en vous rendant ici

Cette sombre et triste histoire de la conquête de l’Amérique a souvent été portée au cinéma. Dans la plupart des films jusqu’à ces 3 dernières décennies, les indiens étaient représentés comme des sauvages sanguinaires scalpant leurs victimes. Des films essentiellement basés sur les connaissances de l’époque, véhiculant une mauvaise image des Indiens, les pointant du doigt. Des films étaient là pour montrer une certaine vérité, un peu comme nos cours d’histoire.

Cette représentation au cinéma de l’homme blanc légitime héritier des terres auparavant habitées par les autochtones, naîtra en 1930 jusqu’à fin des années 50. Cette période est marquée par l’émergence du western comme genre à part entière. Les films de cette période sont des westerns traditionnels qui permettent de montrer les conflits entre les colons blancs et les Amérindiens. Ces films ont une mise en scène spectaculaire avec des personnages héroïques. La Chevauchée fantastique (1939), Shane (1953) et Les Sept Mercenaires (1960) sont parmi les films les plus marquants de cette époque.

Puis vint la période du western crépusculaire (1960-1970) qui met en avant des films sombres et violents. Le premier de cet ère sera Pour une poignée de dollars (1964). C’est durant cette période qu’émergera le western spaghetti. Dans cette catégorie, on peut citer Le Bon, La Brute et le truand (1966), Djando (1966) et Il était une fois dans l’ouest (1968).

Enfin, la période post-moderne qui commence à partir de 1970 et se poursuivra jusqu’à la fin des années 2000. Cette période est un tournant dans le genre western, puisqu’elle permettra de remettre en question les convections du genre établi. Ce sont essentiellement des films révisionnistes. Le Bon, la Brute et le Truand (1966), Impitoyable (1992) et Open Range (2003) font partie de ceux-là.

Durant les années 90, une prise de conscience naquit et de nombreux pays reconnurent ce massacre comme un crime contre l’humanité.

C’est dans ce contexte que des films comme Danse avec les loups (1991) firent leur apparition. Danse avec les loups est un film de Kevin Costner qui en était à son premier coup d’essai en tant que réalisateur. Danse avec les loups va mettre en émoi les spectateurs pour sa narration. Il fit grand bruit car à contre-sens ce que l’on avait pu voir auparavant. Il est qualifié par les critiques d’humaniste, d’époustouflant, prônant la tolérance et la compréhension des cultures. Kevin Costner recevra d’ailleurs 7 Oscar pour ce film la même année.

Plusieurs films surferont sur le sucées de Danse avec les loups, mais sans jamais vraiment l’égaler. Le dernier des Mohicans(1992) est un bon exemple puisque malgré ses qualités, il se verra reprocher caricaturer les Amérindiens, dépeints comme des sauvages cruels et sanguinaires.

Petit à petit, les films se détachent de leur représentation très colonialiste et caricaturale des américains natifs pour aller vers quelque chose de plus authentique.

Mais cet âge d’or du western a été relégué au second plan aujourd’hui. Le dernier film de Tarantino ,Once Upon a time in Hollywood nous raconte de façon imagée mais splendide la fin de l’époque traditionnel des western, à travers l’histoire d’un acteur dont la carrière est déclinante. Certainement l’un des meilleurs films du réalisateur.

Martin Scorsese

J’adore les fresques historique au cinéma. Ces films qui plongent dans l’intégralité de la vie d’un personnage . Laurence d’Arabie, Il était une fois en Amérique et bien d’autres. Ces films ont su conquérir leur public par leur contenu et leurs personnages. Si un film doit durer aussi longtemps, c’est qu’il a ce devoir de raconter quelque chose en détails et de façon intelligente sans ennuyer son spectateur. C’est donc un véritable exercice d’équilibriste .

Un des rares qui sache le faire encore aujourd’hui est très certainement Martin Scorsese. Avec plus de 64 ans de carrière à son actif, le réalisateur âgé aujourd’hui de 81 ans, a montré plus d’une fois ce qu’il savait faire en matière de cinéma. De plus, il fait partie d’une lignée de réalisateurs qui tournent encore aujourd’hui à l’ancienne, comprenez par là qu’il se repose souvent sur des décors naturels pour immerger le spectateur. Ce qu’il y a aussi de remarquable dans la filmographie du maestro, c’est sa maîtrise de mise en scène et surtout qualité constante de ses films. Et avec les années qui passent, on peut maintenant dire qu’il n’a plus rien à prouver, preuve avec son dernier film.

Killers of the flower moon

Killers of the flower moon est le dernier film historique de Martin Scorsese sorti cette année. Il n’en est pas à son premier film historique. Casino, Gangs of New York ou encore The Irishman étaient déjà des films basés sur des faits réels.

L’histoire qu’il raconte dans ce film est basé sur un livre de David Grann intitulé La Note Américaine (le titre original est Killers of the flower moon). Grann aura dû enquêter pendant 5 ans pour retrouver les témoignages de petits et arrière petits enfants Osage sur des faits remontant à 1920. Cette histoire inconnue de l’Amérique a été rendue public grâce à la parution de ce livre en 2017. Au début de ce vingtième siècle, les Amérindiens n’étaient pas encore arrivés au bout de leur souffrance après tant de haine portée contre eux. Mais si du 16eme au 19eme siècle, il était question d’extermination des peuples Amérindiens pour leur territoire, cette histoire du 20eme siècle repose en grande partie sur les ressources et la discrimination envers ce peuple.

Les Osage, contraints de céder leurs terres natales, Le Missouri et L’Arkansas, au début du 20eme se retrouvent a être retranchés dans une réserve indienne dans l’Oklahoma (en vertu du traité de Medicine Lodge) de 1400 mètres carrés. La réserve est basée dans une région aride et inhospitalière. Les Osage ont eu du mal à s’adapter et sont confrontés à la discrimination. En 1897,ils découvrent du pétrole dans la réserve et trouvent un moyen de transformer cela en richesses. Mais les colons blancs en ont écho et commenceront à exploiter les Osage et leurs terres, employant des moyens plus que discutables : meurtres à l’arme blanche, empoisonnements, mariages arrangés pour tuer la femme plus tard et hériter, rien ne leur sera épargné. C’est au total une soixantaine de meurtres crapuleux qui auront lieu dans le but de les dépouiller de leur argent. Une enquête par le futur FBI aura lieu et justice sera faite en 1922.

Les meurtres des Osage sont un exemple tragique de la violence et de l’exploitation dont les peuples autochtones ont été victimes aux États-Unis. Il était donc important pour Martin Scorsese de pouvoir rester le plus fidèle par rapport à l’histoire des Osage.

L’authenticité

Scorsese n’a pas fait les choses à moitié pour Killers of the flower moon. Il a d’abord lu le livre de David Grann, puis s’est rendu sur les terres des Osage. Enfin et parce que sans eux rien n’aurait été possible, Martin Scorsese a rencontré pendant plusieurs heures plusieurs personnes liées de près ou de loin à l’affaire dont :

• Charlene White Eagle-Williams, une descendante de la famille White Eagle, qui a été l’une des premières victimes des meurtres de la « Fleur de lune ».
• Billie Jo HorseChief, une historienne et activiste Osage, qui a aidé Scorsese à comprendre l’histoire et la culture du peuple Osage.
• Clyde et Wilma Ellis, un couple Osage qui a raconté à Scorsese leurs souvenirs des meurtres et de la vie dans la réserve Osage au début du XXe siècle.

Scorsese voulait être au plus près de l’histoire et revenait souvent les voir pour agrémenter son scenario jusqu’à assister à certaines cérémonies Osage.

Le résultat est là : Scorsese allant dans la précision chirurgicale quant il s’agit de conter l’histoire, rendant hommage de bien belle façon aux Osage. Il est frappant de voir que le film redessine sur grand écran chaque détail de cette période. Allant de l’enrichissement inattendu de ces Amérindiens via des objets de luxe, les blancs et les jeux d’argent ou encore les caractères ciselés des personnages, rien ne manque à ce film dont la photographie est belle même de nuit. Cela change des plans de nuit filmés avec un filtre bleu.

Les décors et la photographie

Tout comme sa maîtrise de narrer son histoire, la camera de Scorsese filme des décors crasseux et poussiéreux nous immergeant dans un genre que le réalisateur n’avait jamais expérimenté : Le western. Mais c’est parce qu’il sait ce qu’il veut filmer que cela semble si réel, le tournage ayant pris place sur la réserve même des Osage en Oklahoma. l’étalonnage des couleurs donne un ton naturel au tout.

Les personnages et acteurs

La terrible tragédie des Osage est très lié aux méfaits qu’ont exercés Ernest Burkhart et son oncle William Hale sur cette tribu.

William Hale était bien connu des Osage pour faire des dons à des œuvres caritatives et être loyal. L’interprétation de Hale par Robert De Niro en fait un véritable monstre, sournois et manipulateur. Car si le personnage de Di Caprio est loyal envers son oncle car lui ayant trouvé un travail malgré ses faibles compétences, Hale n’hésitera pas à manipuler son neveu pour obtenir jusqu’au dernier dollar. Employant tous les moyens possibles et imaginables qu’un être humain puisse imaginer pour arriver à ses fins. De Niro faisant de Hale quelqu’un de froid, cupide et sans scrupules. Et le message passe formidablement à l’écran. Je n’avais d’ailleurs jamais vu au cinéma un antagoniste aussi détestable. De Niro dira dans une interview consacrée à Critqal ne pas comprendre le comportement William Hale, ne pas comprendre comment et pourquoi il a fait tant de mal à cette communauté.

Quant à son neveu interprété par Leonardo Di Caprio, il est dépeint comme une personne avec un faible niveau d’instruction ayant fini son instruction militaire, à la recherche de fortune grâce aux gisements de pétrole. C’est alors qu’il rejoindra en 1912 son oncle qui lui accordera un travail. Ne se doutant pas un seul instant que l’objectif de son oncle de le marier à une femme Osage avait pour but d’hériter sa fortune à sa mort. Di Caprio y interprète un rôle complexe et ambigu, dont on aura bien du mal à cerner les véritables motivations. Jouant sur deux plans, on le sent exécrable, pillant les morts de leur richesses tout en essayant de rassurer honteusement sa femme Mollie Kyle Burkhart.

Mollie Kyle qui est interprété par Lily Gladstone. Originaire de la tribu des Nimíipuu et des Pikunis , cette actrice Amérindienne quittera la réserve des Blackfeet pour y suivre des cours de théâtre. Ce ne sera pas la seule Amérindienne à avoir été engagée sur le film de Scorsese, puisque beaucoup d’autres personnes des mêmes origines seront prises pour des rôles secondaires comme William Belleau (Henry Roan) ou Atanka Means (Agent John WrenWren) qui est issu de la tribu Osage. Avec toujours un souci d’authenticité pour le réalisateur.

Lily Gladstone joue une Mollie Kyler se laissant croire que Ernest Burkhart est différent malgré les avertissements de ses sœurs. Mais elle n’est pas dupe pour autant des intentions de son mari qui est un américain blanc comme les autres, venu chercher fortune. Mais pour elle, il n’est pas pressé. L’interprétation de Lily Gladstone est juste magnifique. On devine ses pensées rien qu’en voyant, dans ses expressions non verbales ou les mots exprimés en anglais ou en langue Osage.

La langue Osage

Effectivement, contrairement à certains films ou séries où les peuples utilisent la même langue pour communiquer entre eux, Scorsese a fait l’effort de réapprendre aux acteurs qui en avait besoin l’usage de la langue d’origine pour mieux coller au personnage. En effet , les Osage parle une langue algonquienne qui est menacée d’extinction aujourd’hui. Il a fallu donc à Lily Gladstone des mois de répétition avant de pouvoir parler correctement Osage. Tout comme c’est le cas pour Robert De Niro et quelques autres.

Scorsese a ecrit et réalisé une histoire telle qu’elle a été vécu, sans filtres, de façon brute. La série de meurtres perpétrés sont représentés à l’écran sans modération, mettant au supplice le spectateur. Mais connaissant la façon dont Scorsese filme la violence, ce n’est guère étonnant.

Comme je le disais plus haut, le travail sur Killers of the flower moon a été titanesque pour être le plus proche de la réalité. Le film peut paraitre dur à certains moments, mais je pense qu’il était essentiel qu’il en soit ainsi pour marquer le spectateur qui ne connait pas cet épisode de l’histoire américaine.

Je pense que les films ont ce devoir de préservation de l’histoire quand ils sont bien écrits et réalisés. Pour ma part, ce film m’a appris une chose : Quelles que soient les époques, l’homme a toujours été avide de pouvoir et cherché a dominer les autres à plus ou moins grande échelle. Il peut commettre les pires fautes comme les meilleures actions, et avoir les pires intentions dans le but de s’approprier ce qui ne lui appartient pas.

Ce film m’a particulièrement ému et encore aujourd’hui, il est celui qui marque profondément mon attachement pour l’histoire des Amérindiens et en particulier des Osage. Une situation qui se rapproche d’une extermination à petit feu par cupidité. Je n’ai pas de mots assez forts pour exprimer et caractériser le type humains ordonnant ce genre d’atrocité. Par moment, ce film m’a fait penser aux pires moments de notre propre histoire.

C’est pour cela que j’ai fait tant d’efforts pour écrire cet article : Aller au-delà du film et chercher le plus de renseignements sur ce qu’il s’était passé à l’époque. Et mon prochain livre de chevet pour compléter ma recherche sera le livre de David Grann qui est tout à fait abordable.

Ce film mélange traditions et modernité, traditions indiennes et modernité apportée par les descendants des colons. Mais même si la jalousie de l’autre existe dans toutes les cultures, elle est ici multipliée par dix et importée parmi les gens qui ne voulaient qu’une chose : sortir de leur pauvreté pour vivre mieux.

Et ici, Scorsese a réussi sur tous les points, nous faisant réfléchir sur la nature humaine.

Sources et Inspirations

• “La Note américaine”, chef-d’œuvre terrifiant de David Grann
• Les États-Unis ont-ils commis un génocide contre les Amérindiens ?
• Conférence de presse– VF – Cannes 2023
• Christophe Colomb, véritable tyran ?
• Osage County OK Killers Flower Moon
• The Osage murders and « Killers of the Flower Moon »

Un grand merci à tous ceux qui m’ont soutenu pour la rédaction de l’article.

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